Espectacular....!
La versión realizada por Peter Jackson (la tercera realizada desde la mítica propuesta de los años 30’s) es realmente extraordinaria.
King Kong 2005 re-toma de tal forma la versión original que ofrece al público uno de los tributos mejor planteados y resueltos de que en lo personal tenga memoria. Porque este King Kong hizo de lo clásico algo nuevo, fresco, inteligente, emocionante y por demás entretenido.
Los 187 minutos de duración fluyen intensamente de tal forma que pocos al finalizar la cinta pensamos que se habían ido más de 3 horas.
Situada en los años 30’s la historia es un tributo en imagen y mención del clásico de Cooper y Shoedsack que interpretó la inolvidable Fay Wray. Las menciones que se hacen de estos personajes de la vida real así como los formatos de los créditos iniciales son signo inequívoco del impacto que verdaderamente tuvo esta cinta en la vida profesional de Jackson. Impacto que en esta obra se traduce en nostalgia y reconocimiento.
El desarrollo como tal de la cinta maneja tres partes que cumplen perfectamente su cometido.
La introducción de los personajes es bien manejada, en donde uno se familiariza con los protagonistas que tendrán parte en la aventura por el océano...La travesía hacia la famosa Isla de la Calavera y la llegada –no a la Isla-sino a las rocas tan bien plasmadas en los alrededores de la misma.
Acepto que guardaba mis reservas hacia el reparto elegido, sin embargo tras haberla visto reconozco que las caracterizaciones se apegaron a lo que Peter Jackson buscaba....perfiles sólidos, pero no sobrehumanos que pudieran desviar la atención central.
En esta primera hora Jackson corre el riego que corrió Spielberg cuando le obligaban a poner al Tiburón en las primeras escenas de Jaws, negándose rotundamente a hacerlo y confiando en ese talento para ir dándole continuidad e interés a la proyección sin necesidad de presentar al personaje principal...en este caso King Kong.
De ahí a la segunda parte el ritmo es diferente. El misterio de la Isla y la primera mirada al mundo prehistórico que ahí habita. King Kong finalmente hará su aparición y la historia seguirá hacia delante no sin antes dejar claro que esta versión nos mostrará de manera más intensa la relación que se había esbozado en la versión del 76 y que no se apreció de tal forma en el 33...La relación entre la bella y la bestia.
Muy buena la actuación de la bella Noammi Watts, quien logra transmitir los sentimientos pactados en este cuento de fantasía.
Este punto muy probablemente se convierta en el verdadero sentido de la obra de Jackson. La historia ya había sido contada después de todo, pero no de la forma en que se aprecia la relación de Ann con el gorila.
En esta segunda parte ( de las tres partes en que percibo el film) se muestran los primeros efectos especiales esperados por todos en lo que respecta a la selva y desde luego a King Kong. Simplemente sensacional aún cuando por momentos la interacción entre humanos y dinosaurios no fue la más acabada....la pregunta es...¿ fue a propósito manejar algunos efectos primitivos en una clara mención a lo que fueron las imágenes del 33???? Seguramente.
No obstante hay momentos en la Isla que alcanzan el término soberbio en cuanto a efectos especiales y al suspenso. La Isla por si misma, la muralla, y la lucha de los T-Rex es algo sorprendente; de igual forma el ataque de la tribu, en lo más cercano a la cruzada de su obra maestra del Hobbit que todos conocemos.
Es en esta segunda parte cuando se plasma el vínculo entre Kong y Ann (Ann y Kong) de una manera muy natural que puede enternecer al respetable por la forma en que se resuelve. De ahí que en la tercera parte se vuelvan a presentar visos de lo que fue su primer encuentro en la Isla, antes desde luego del fatal desenlace
La tercera parte ya entrados en la Isla de Manhattan, recrea antes que nada la ciudad en aquellos años de forma por demás espléndida, llevando a Kong a la zona de los teatros del famoso Time Square, para ser presentado como atracción de cuasi circo de lujo.
La acción que se desprende desde el momento en que Kong escapa hasta su ascenso al Empire State Building, es aunque maravillosa en efectos, un poco menos llamativa de la realizada al interior de la Isla ...no de Manhattan, sino de la Calavera. De cualquier forma intensa y bien llevada a lo largo de las calles nevadas de la urbe de hierro.
En las alturas del rasca cielo Jackson vuelve a volarse la barda con unos efectos de proporciones épicas sólo vistas en la famosa Lord of the Rings. Es en el Empire State cuando realmente se conjugan las dos partes previas de la cinta en lo que es el climax total. Por una parte la relación de Ann con King Kong que la protege –por enésima ocasión- de los pequeños aviones y la acción en sí que se desarrolla tratando de destruir al gigantesco simio, lo que sucede tras su caída al vacío.
King Kong de 2005 es sin duda una de las mejores películas del género de ciencia ficción realizadas a la fecha, teniendo el doble mérito de hacer como comentamos de lo viejo algo nuevo y atractivo para las nuevas generaciones. Además de que muy probablemente introducirá a nuevos niños –como lo hizo en el cine Las Américas en el 77- en esta historia que sigue siendo formidable tanto por la plástica como por el fondo de la misma historia.
Porque nadie puede negar que existe un mensaje en varios sentidos respecto a la ecología y el respeto por la fauna; King Kong cumple sin duda con el principal cometido, entretener, pero consigue atraparnos en un mundo que en algunos aspectos parece no haber cambiado demasiado en 72 años.
Véanla ¡
Ac
sábado, 24 de diciembre de 2005
viernes, 25 de noviembre de 2005
lunes, 24 de octubre de 2005
DEEP PURPLE 2005
Deep Purple.
Como bien lo dijo Ian Gillan , la boca de Purple, en la entrevista que en 1994 se publicó en la Jornada ...”No podríamos ser tan ruidosos, porque simple y sencillamente ya no tendríamos a donde subir...”
La otrora banda más ruidosa del mundo echo a andar los vapores de la maquinaria de Rock que produce , y ofreció un gran concierto la noche del pasado lunes en el Auditorio Nacional.
A lo largo de las casi 2 horas de sólido Rock, Deep Purple me confirma que junto a Los Stones y Credence Clearwater, en los 70’s, fueron la banda más identificada con todas las clases sociales de este país. En los pasillos, lobby del AN, saltaba a la vista que Deep Purple no solo era Multigeneracional, sino multisocial; desde el desaliñado rocker por quien los años no han pasado desde el festival de Avandaro, hasta uno que otro elegante portando traje y corbata “eso si” Purpura (Ah caray, me atrapó acaso la Burguesía de la que hablaba Althuser en mi alma mater UAM??).
Ahí estábamos todos, esperando a la banda más vieja viva y en activo después de los Stones. Valga decir que el primer plato de los Purple salió en el 68, cuando The Beatles y Stones se escuchaban fuerte en la Gran Bretaña.
Finalmente la bandera Inglesa que cubría la batería de Ian Paice fue retirada y la banda (desde ahora entiéndase público)no encuentro mejor definción para un concierto Púrpura- comenzó a corear en tono instrumental el himno Black Night...
A las 9:15 de este 24 de octubre de 2005 apareció Deep Purple. Ahí estaban los tres originales, Gillan, Paice y Glover , voz, bataca y bajo respectivamente; junto a ellos el superguitarrista Steve Morse y el flamante tecladista Don Airey.
Ingredientes suficientes para permanecer de pié todo el concierto y corear los clásicos temas extraídos en 7 ocasiones (de 12 posibles opciones), de mi queridísimo Deepest Purple, sin duda la mejor recopilación setentera del grupo a la fecha. (está en Mix Up Cuicuilco , por si a alguien le interesa)
De ahí Purple se dio tiempo para avanzar hacia el futuro con temas de su reciente producción; temas sólidos y actuales, frescos, mucho en gran medida al aporte del maestro Morse y del elegante Airey. Claro, Rock, siempre Rock,,solo Rock ¡!! Un poco del pilar y buen amigo género Blues en el tema Lazy, armónica en mano, para regresar a esa base rítmica de genios, misma que conforman Glover y Paice.
Para mitad del concierto los solos de Morse y Airey se reconciliaron con los que todavía piensan en Ritchie Blackmore y no tanto en Jon Lord , debido a su retiro voluntario y en buena lid. Pero retomando la conferencia de prensa de hace 11 años...”Con Ritchie en la banda, nunca hubiéramos venido a México...”: Ian Gillan.
Lo cierto es que el nuevo inicio de Deep Purple desde el lanzamiento del Perpendicular del 96, sin Blackmore, le abrió a la banda nuevos horizontes.
Enorme el trabajo de Ian Paice, en particular un ídolo de ídolos para mi persona. Solo detrás de Ringo, Charlie y el gran fallecido Bonzo Bonham. Ahí está Ian, pionero en la batería del rock duro, ese que utilizaba dos bombos (tambor al piso que se toca con el pié, vía pedal) por primera vez en el intro de la rolota Fireball-la primera que lanzaron al pueblo mexicano esta noche-.
Glover en el bajo. Posiblemente la mente detrás de la consola de grabación y un bajista de primera. A dos metros duelen los dedos de observar como rasguea la cuerdas....
Ian Gillan, gran presencia y todavía portando la voz que vuela mentes en clásicos como In Rock y el más famoso y poderoso disco del viejo Purple. Machine Head. Su único par posible como vocalista, Robert Plant. Ta dicho.
Steve Morse, es uno de los mejores guitarristas de su generación, junto a Joe Satriani; un genio de la lira, y lo más importante, el pulmón que oxigena a la banda.
Con Don Airey queda perfectamente apuntalada la zona de teclados, tan importante en Deep Purple. Principalmente en los momentos en que Morse interactúa con él, en los pasadizos secretos que se forman en temas como Highway Star y Black Night.
La noche no podía terminar sin la mencionada Black Night y desde luego el tema más popular de Deep Purple; Smoke on the Water, es la rola, un clásico a la altura de R&R el Led.
Como anécdotas de la noche sin duda el coro de la banda –público- a la salida del Auditorio Nacional, de la Black Night. ¿No está arraigado en los mexicanos???
Los tres jóvenes de no más de 24 años en verdadera locura emocional, Me quedé pensando: De Onde demonios conocieron a deep Purple---¡!!!
La última – de varias que me reservo para comentar en futura amena charla con algunos de ustedes- . Al momento de iniciar Space Truckin –de mis tres favoritas del setentero Deepest, el hijo de mi cincuentón rockanrolero de la butaca de junto comenzó a realizar los mismos movimientos de brazo que este seudoescritor hacia los tambores imaginarios que se fijan en el espacio..caray, me ví hace 25 años!!!!
Deep Purple estuvo en México. Una banda de culto de esas que solo con los años y bajo circunstancias muy especiales se conforman. Tuvimos el privilegio de verla nuevamente, reinventada y haciendo valer aquello de que no hay edad para la buena música.
Quizá un estimado y reciente amigo tenga razón...no se trata de edades, ni de generaciones, sino de cultura y calidad musical.....
For those....
A
Como bien lo dijo Ian Gillan , la boca de Purple, en la entrevista que en 1994 se publicó en la Jornada ...”No podríamos ser tan ruidosos, porque simple y sencillamente ya no tendríamos a donde subir...”
La otrora banda más ruidosa del mundo echo a andar los vapores de la maquinaria de Rock que produce , y ofreció un gran concierto la noche del pasado lunes en el Auditorio Nacional.
A lo largo de las casi 2 horas de sólido Rock, Deep Purple me confirma que junto a Los Stones y Credence Clearwater, en los 70’s, fueron la banda más identificada con todas las clases sociales de este país. En los pasillos, lobby del AN, saltaba a la vista que Deep Purple no solo era Multigeneracional, sino multisocial; desde el desaliñado rocker por quien los años no han pasado desde el festival de Avandaro, hasta uno que otro elegante portando traje y corbata “eso si” Purpura (Ah caray, me atrapó acaso la Burguesía de la que hablaba Althuser en mi alma mater UAM??).
Ahí estábamos todos, esperando a la banda más vieja viva y en activo después de los Stones. Valga decir que el primer plato de los Purple salió en el 68, cuando The Beatles y Stones se escuchaban fuerte en la Gran Bretaña.
Finalmente la bandera Inglesa que cubría la batería de Ian Paice fue retirada y la banda (desde ahora entiéndase público)no encuentro mejor definción para un concierto Púrpura- comenzó a corear en tono instrumental el himno Black Night...
A las 9:15 de este 24 de octubre de 2005 apareció Deep Purple. Ahí estaban los tres originales, Gillan, Paice y Glover , voz, bataca y bajo respectivamente; junto a ellos el superguitarrista Steve Morse y el flamante tecladista Don Airey.
Ingredientes suficientes para permanecer de pié todo el concierto y corear los clásicos temas extraídos en 7 ocasiones (de 12 posibles opciones), de mi queridísimo Deepest Purple, sin duda la mejor recopilación setentera del grupo a la fecha. (está en Mix Up Cuicuilco , por si a alguien le interesa)
De ahí Purple se dio tiempo para avanzar hacia el futuro con temas de su reciente producción; temas sólidos y actuales, frescos, mucho en gran medida al aporte del maestro Morse y del elegante Airey. Claro, Rock, siempre Rock,,solo Rock ¡!! Un poco del pilar y buen amigo género Blues en el tema Lazy, armónica en mano, para regresar a esa base rítmica de genios, misma que conforman Glover y Paice.
Para mitad del concierto los solos de Morse y Airey se reconciliaron con los que todavía piensan en Ritchie Blackmore y no tanto en Jon Lord , debido a su retiro voluntario y en buena lid. Pero retomando la conferencia de prensa de hace 11 años...”Con Ritchie en la banda, nunca hubiéramos venido a México...”: Ian Gillan.
Lo cierto es que el nuevo inicio de Deep Purple desde el lanzamiento del Perpendicular del 96, sin Blackmore, le abrió a la banda nuevos horizontes.
Enorme el trabajo de Ian Paice, en particular un ídolo de ídolos para mi persona. Solo detrás de Ringo, Charlie y el gran fallecido Bonzo Bonham. Ahí está Ian, pionero en la batería del rock duro, ese que utilizaba dos bombos (tambor al piso que se toca con el pié, vía pedal) por primera vez en el intro de la rolota Fireball-la primera que lanzaron al pueblo mexicano esta noche-.
Glover en el bajo. Posiblemente la mente detrás de la consola de grabación y un bajista de primera. A dos metros duelen los dedos de observar como rasguea la cuerdas....
Ian Gillan, gran presencia y todavía portando la voz que vuela mentes en clásicos como In Rock y el más famoso y poderoso disco del viejo Purple. Machine Head. Su único par posible como vocalista, Robert Plant. Ta dicho.
Steve Morse, es uno de los mejores guitarristas de su generación, junto a Joe Satriani; un genio de la lira, y lo más importante, el pulmón que oxigena a la banda.
Con Don Airey queda perfectamente apuntalada la zona de teclados, tan importante en Deep Purple. Principalmente en los momentos en que Morse interactúa con él, en los pasadizos secretos que se forman en temas como Highway Star y Black Night.
La noche no podía terminar sin la mencionada Black Night y desde luego el tema más popular de Deep Purple; Smoke on the Water, es la rola, un clásico a la altura de R&R el Led.
Como anécdotas de la noche sin duda el coro de la banda –público- a la salida del Auditorio Nacional, de la Black Night. ¿No está arraigado en los mexicanos???
Los tres jóvenes de no más de 24 años en verdadera locura emocional, Me quedé pensando: De Onde demonios conocieron a deep Purple---¡!!!
La última – de varias que me reservo para comentar en futura amena charla con algunos de ustedes- . Al momento de iniciar Space Truckin –de mis tres favoritas del setentero Deepest, el hijo de mi cincuentón rockanrolero de la butaca de junto comenzó a realizar los mismos movimientos de brazo que este seudoescritor hacia los tambores imaginarios que se fijan en el espacio..caray, me ví hace 25 años!!!!
Deep Purple estuvo en México. Una banda de culto de esas que solo con los años y bajo circunstancias muy especiales se conforman. Tuvimos el privilegio de verla nuevamente, reinventada y haciendo valer aquello de que no hay edad para la buena música.
Quizá un estimado y reciente amigo tenga razón...no se trata de edades, ni de generaciones, sino de cultura y calidad musical.....
For those....
A
martes, 11 de octubre de 2005
PLAN DE VUELO / 11.10.05
La habitación del pánico en avión....con Judie...
Ciertamente parece ser una réplica de aquélla buena película realizada hace algunos años, pero en pleno cielo...
De cualquier forma, Plan de Vuelo presenta buenos momentos a varios pies de altura y en varios ángulos; buena trama , pese a los años que ya empiezan a hacernos pensar que la inolvidable Clarice, quizá vaya en camino de comenzar a tomar los papeles que está dejó Meryl Streep.
Lo mejor además del imponente avión en el que viajan mamá e hija (Kyle y Julia) , en duelo por la recientísima muerte de su esposo, llega a ser el cuasi perfecto guión que trata de sorprender a los espectadores y a la misma protagonista que por momentos está por creer que es verdad lo que sucede a su alrededor...
La presencia del buen actor Peter Sarsgaard, bien inspirado en la Llave Maestra, retoma casi el mismo personaje, extraño , sospechoso, y buen apoyo para la siempre atractiva y carismática Foster.
Más suspenso que acción, un poco de ansiedad que no llega a romper en el momento justo, pero que libra los obstáculos de la predicción total.
Una buena película que cumple a la perfección el cometido de entretener, aunque para ser sinceros me quedo con la otra cinta que planea en los aires...Vuelo Nocturno.
Ciertamente parece ser una réplica de aquélla buena película realizada hace algunos años, pero en pleno cielo...
De cualquier forma, Plan de Vuelo presenta buenos momentos a varios pies de altura y en varios ángulos; buena trama , pese a los años que ya empiezan a hacernos pensar que la inolvidable Clarice, quizá vaya en camino de comenzar a tomar los papeles que está dejó Meryl Streep.
Lo mejor además del imponente avión en el que viajan mamá e hija (Kyle y Julia) , en duelo por la recientísima muerte de su esposo, llega a ser el cuasi perfecto guión que trata de sorprender a los espectadores y a la misma protagonista que por momentos está por creer que es verdad lo que sucede a su alrededor...
La presencia del buen actor Peter Sarsgaard, bien inspirado en la Llave Maestra, retoma casi el mismo personaje, extraño , sospechoso, y buen apoyo para la siempre atractiva y carismática Foster.
Más suspenso que acción, un poco de ansiedad que no llega a romper en el momento justo, pero que libra los obstáculos de la predicción total.
Una buena película que cumple a la perfección el cometido de entretener, aunque para ser sinceros me quedo con la otra cinta que planea en los aires...Vuelo Nocturno.
jueves, 29 de septiembre de 2005
EL DESPERTAR DEL MIEDO (HILLS HAVE EYES)
Dicen que en ocasiones la vida puede llegar a ser pobre, asquerosa, sucia, brutal y corta!!!
Esta película lo es!!
El Despertar del Miedo es por momentos una cinta gore, slash, de corte salvaje y desesperante.
Quizá al concluir podría decirse que como película falló, pero como entretenimiento es de lo mejor, algo que parece contradictorio pero que en realidad no lo es.
Ciertamente a lo largo de la trama, que involucra a dos amigas, psicópata, sierras, tijeras y navajas filosas-para que se den una idea del martirio en la butaca- quedan de manifiesto huecos que el buen cinéfilo detecta y aún así podría dejar en el tintero por la misma tensión que se va creando, pero que de manera clara dejan entrever una película que cae en lo absurdo aún cuando nunca de manera descarada.
Si es ó no uno de los mejores finales de los últimos tiempos, tal como lo señala una crítica insertada en la publicidad de prensa, será cuestionable; lo que es cierto es que para aquellos que decidan verla, el final ¿¿¿¿¿sólo el final???? los dejará aturdidos y con grandes deseos de rentar una comedia de regreso a casa….
Esta película lo es!!
El Despertar del Miedo es por momentos una cinta gore, slash, de corte salvaje y desesperante.
Quizá al concluir podría decirse que como película falló, pero como entretenimiento es de lo mejor, algo que parece contradictorio pero que en realidad no lo es.
Ciertamente a lo largo de la trama, que involucra a dos amigas, psicópata, sierras, tijeras y navajas filosas-para que se den una idea del martirio en la butaca- quedan de manifiesto huecos que el buen cinéfilo detecta y aún así podría dejar en el tintero por la misma tensión que se va creando, pero que de manera clara dejan entrever una película que cae en lo absurdo aún cuando nunca de manera descarada.
Si es ó no uno de los mejores finales de los últimos tiempos, tal como lo señala una crítica insertada en la publicidad de prensa, será cuestionable; lo que es cierto es que para aquellos que decidan verla, el final ¿¿¿¿¿sólo el final???? los dejará aturdidos y con grandes deseos de rentar una comedia de regreso a casa….
jueves, 22 de septiembre de 2005
SKELETON KEY / 22.09.06
Esa puerta que uno nunca abre, esos áticos perdidos entre los misteriosos cuartos de las casonas, esas sábana que cubren los muebles o espejos....
Esos elementos están presentes en la cinta La llave maestra que de alguna manera se muestra como otra opción de horror ciertamente original y entretenida.
Fastidiada de la monótona rutina diaria en un hospital de clase media, Caroline decide aceptar un trabajo temporal en una casa edificada en medio de los pantanos de Luisiana como enfermera personal de un viejo al que le acaba de pasar factura una embolia. A través de su abogado personal, la dueña de la casa (Violet) le encarga a Caroline tan importante labor.
Al llegar a esta casa, Caroline de inmediato comienza a percibir malas vibras que son fundamentadas en el momento en que Violet le hace saber de los antecedentes de los antiguos habitantes de la casa, papa Justify y Mama Cecil. Una especie de Amityville sin diablo, pero con practicantes del Hoddo, no Voddoo, pero al fin magia de esa que enchina la piel y de la que preferimos mantenernos a distancia.
Bien llevada y realizada, la cinta se desarrolla en su mayoría en los pórticos, recámaras y pasillos de la vieja mansión; con tormenta de por medio, Caroline cada vez se acerca más a ese ático en el que comenzará a descubrir grabados de rituales ancestrales, espejos cubiertos y hasta una grabación en versión L.P. de 78 Rpm de una especie de misa negra....
Ian Softley, director de la cinta, utiliza de manera eficaz el guión de doble vista , en el que parece darte mucha información, creyendo el espectador que va a adivinar el desenlace...!!!! al final se darán cuenta de que la información solo fue un ingrediente para hacer explotar toda predicción .....
La Llave Maestra finalmente desencadena en los últimos 10 ó 15 minutos un final muy atractivo, inesperado y valioso para los que alguna vez seguimos a color y en blanco y negro, las cortas y espeluznantes historias de Rod Sterling, Twighlight Zone.......de ese tamaño es el final.
Esos elementos están presentes en la cinta La llave maestra que de alguna manera se muestra como otra opción de horror ciertamente original y entretenida.
Fastidiada de la monótona rutina diaria en un hospital de clase media, Caroline decide aceptar un trabajo temporal en una casa edificada en medio de los pantanos de Luisiana como enfermera personal de un viejo al que le acaba de pasar factura una embolia. A través de su abogado personal, la dueña de la casa (Violet) le encarga a Caroline tan importante labor.
Al llegar a esta casa, Caroline de inmediato comienza a percibir malas vibras que son fundamentadas en el momento en que Violet le hace saber de los antecedentes de los antiguos habitantes de la casa, papa Justify y Mama Cecil. Una especie de Amityville sin diablo, pero con practicantes del Hoddo, no Voddoo, pero al fin magia de esa que enchina la piel y de la que preferimos mantenernos a distancia.
Bien llevada y realizada, la cinta se desarrolla en su mayoría en los pórticos, recámaras y pasillos de la vieja mansión; con tormenta de por medio, Caroline cada vez se acerca más a ese ático en el que comenzará a descubrir grabados de rituales ancestrales, espejos cubiertos y hasta una grabación en versión L.P. de 78 Rpm de una especie de misa negra....
Ian Softley, director de la cinta, utiliza de manera eficaz el guión de doble vista , en el que parece darte mucha información, creyendo el espectador que va a adivinar el desenlace...!!!! al final se darán cuenta de que la información solo fue un ingrediente para hacer explotar toda predicción .....
La Llave Maestra finalmente desencadena en los últimos 10 ó 15 minutos un final muy atractivo, inesperado y valioso para los que alguna vez seguimos a color y en blanco y negro, las cortas y espeluznantes historias de Rod Sterling, Twighlight Zone.......de ese tamaño es el final.
miércoles, 21 de septiembre de 2005
RED EYE (Vuelo Nocturno) / 19.09.05
Qué más puede esperar una mujer cuando en la antesala de un aeropuerto un hombre atractivo es tan cordial, tan discreto y tan agradable???? Y qué este además mantenga un tópico de conversación tan afable en el bar en que degustan un par de bebidas antes de abordar. Que hable de la familia, los valores, se interese pero de ninguna manera se entrometa en tu vida, inteligente...qué más!!
Todo iba bien para el personaje protagonizado por la bella RaquelMc Adams, elegante Gerente de conocido Hotel quien tienen que viajar de regreso a Miami para atender todo lo concerniente al alojamiento de un distinguido personaje de la política estadounidense.
El personaje que interpreta Cillian Murphy, parece ser perfecto; la suerte incluso abusa de Raquel cuando se da cuenta de que el pasajero con quien compartirá la travesía –justo el asiento a su izquierda- es este mismo hombre....
Todo iba bien, casi todo...
Al filo de la media noche el avión que la lleva de regreso a su hogar en Miami se convierte en el carruaje de sus pesadillas al percatarse de que él no es el hombre que “casualmente” la atendía...
“A qué te dedicas” pregunta ella, ....”Mi trabajo desde este preciso momento se refiere en su totalidad a ti...!!!, contesta él mirándola directamente a los ojos....!!!!!
Las cosas no se ponen mejor para Raquel en estos momentos de verdadera presión psicológica.
Wes Craven, maestro de este tipo de suspenso, incluso vas más allá de sus truculentas y rudas propuestas del pasado (Shocker por citar un ejemplo), dejando en el tapiz una propuesta inteligente y bien conducida, lograda para acabar pronto, en gran medida gracias a la excelente actuación de Cillian Murphy (el espantapájaros del Batman Begin.
Quizá el único pero –como incipiente crítico siempre hay que encontrarle alguna área de oportunidad- Craven no mantuvo el mismo suspenso tan bien desarrollado en la primera parte de la cinta –en el avión- para revolotear con escenas un poco incongruentes en aeropuerto y Hotel.
De cualquier forma agradezco el que finalmente hayamos podido ser testigos de un estreno que por un momento nos supuso seres inteligentes capaces de discernir el mejor de los suspensos, basado más en guión que en efectos visuales...los cuales ya me tenían hasta el gorro $##$$#””$$#$
Todo iba bien para el personaje protagonizado por la bella RaquelMc Adams, elegante Gerente de conocido Hotel quien tienen que viajar de regreso a Miami para atender todo lo concerniente al alojamiento de un distinguido personaje de la política estadounidense.
El personaje que interpreta Cillian Murphy, parece ser perfecto; la suerte incluso abusa de Raquel cuando se da cuenta de que el pasajero con quien compartirá la travesía –justo el asiento a su izquierda- es este mismo hombre....
Todo iba bien, casi todo...
Al filo de la media noche el avión que la lleva de regreso a su hogar en Miami se convierte en el carruaje de sus pesadillas al percatarse de que él no es el hombre que “casualmente” la atendía...
“A qué te dedicas” pregunta ella, ....”Mi trabajo desde este preciso momento se refiere en su totalidad a ti...!!!, contesta él mirándola directamente a los ojos....!!!!!
Las cosas no se ponen mejor para Raquel en estos momentos de verdadera presión psicológica.
Wes Craven, maestro de este tipo de suspenso, incluso vas más allá de sus truculentas y rudas propuestas del pasado (Shocker por citar un ejemplo), dejando en el tapiz una propuesta inteligente y bien conducida, lograda para acabar pronto, en gran medida gracias a la excelente actuación de Cillian Murphy (el espantapájaros del Batman Begin.
Quizá el único pero –como incipiente crítico siempre hay que encontrarle alguna área de oportunidad- Craven no mantuvo el mismo suspenso tan bien desarrollado en la primera parte de la cinta –en el avión- para revolotear con escenas un poco incongruentes en aeropuerto y Hotel.
De cualquier forma agradezco el que finalmente hayamos podido ser testigos de un estreno que por un momento nos supuso seres inteligentes capaces de discernir el mejor de los suspensos, basado más en guión que en efectos visuales...los cuales ya me tenían hasta el gorro $##$$#””$$#$
lunes, 19 de septiembre de 2005
LA ISLA / 19.09.05
Finalmente pude ver todavía en el cine esta cinta enmarcada en la ciencia ficción menos futurista de lo que muchos podrían pensar..
Definitivamente el tema es fabuloso, encontrando momentos sobresalientes al tiempo en que el velo del misterio se iba recorriendo ante los espectadores.
¿Porqué todos en la Isla visten de blanco, porqué solamente puedo cenar tal o cuál cosa en martes ¿? Qué quieren decir tantos términos extraños que escucho de los supervisores, que por cierto visten de negro...???
En esta comunidad de seudo habitantes, una especie de Aldea moderna, hay sin embargo un momento que muchos de los habitantes esperan cada semana...La lotería podría llevarte a un paradisíaco lugar , a la Isla. Quién será el que se lleve este premio...y que hay detrás de esta fortaleza.
Para darle sentido a la cinta, Michael Bay (La Roca, Armageddon) le brinda conciencia a dos personajes quienes al descubrir el terrible secreto, huyen de esta especie de prisión.
Al concluir, la cinta se parte en dos, primero nos encontramos ante la estructura de esta sociedad reducida a mentes infantiles de no más de 15 años que repiten esquemas pre concebidos por los líderes de la fundación; en la segunda parte la acción domina el entorno, y una película que presentaba claves para llevarnos a un final clásico del estilo de “Cuando el Destino nos alcance” se reduce a algo poco menos brillante que Minority Report protagonizada por Tom Cruise e infinitamente inferior a The Beach en la que aparece Leonardo Di Caprio.
De cualquier forma la idea central de la clonación y más allá, los propósitos que persiguen, nos dejan una pequeña dosis reflexiva para debatir en un café de la condesa.
Definitivamente el tema es fabuloso, encontrando momentos sobresalientes al tiempo en que el velo del misterio se iba recorriendo ante los espectadores.
¿Porqué todos en la Isla visten de blanco, porqué solamente puedo cenar tal o cuál cosa en martes ¿? Qué quieren decir tantos términos extraños que escucho de los supervisores, que por cierto visten de negro...???
En esta comunidad de seudo habitantes, una especie de Aldea moderna, hay sin embargo un momento que muchos de los habitantes esperan cada semana...La lotería podría llevarte a un paradisíaco lugar , a la Isla. Quién será el que se lleve este premio...y que hay detrás de esta fortaleza.
Para darle sentido a la cinta, Michael Bay (La Roca, Armageddon) le brinda conciencia a dos personajes quienes al descubrir el terrible secreto, huyen de esta especie de prisión.
Al concluir, la cinta se parte en dos, primero nos encontramos ante la estructura de esta sociedad reducida a mentes infantiles de no más de 15 años que repiten esquemas pre concebidos por los líderes de la fundación; en la segunda parte la acción domina el entorno, y una película que presentaba claves para llevarnos a un final clásico del estilo de “Cuando el Destino nos alcance” se reduce a algo poco menos brillante que Minority Report protagonizada por Tom Cruise e infinitamente inferior a The Beach en la que aparece Leonardo Di Caprio.
De cualquier forma la idea central de la clonación y más allá, los propósitos que persiguen, nos dejan una pequeña dosis reflexiva para debatir en un café de la condesa.
lunes, 29 de agosto de 2005
LA CAIDA / 29.08.05
“If the war is lost, it is immaterial if the German people survive. I will shed not one tear for them.".
Las últimas horas que Adolf Hitler vivió en su bunker enclavado en Berlín….
En torno a este momento se desarrolla esta cinta bien realizada protagonizada por el mejor y más popular actor alemán de nombre Bruno Ganz quien encarna magistralmente a uno de los personajes más triste célebres de la historia moderna.
Desde luego que puede haber –ha habido – críticas muy fuertes sobre la visión que parece irse construyendo sobre Adolf por el director Oliver Hirschbiegel y que desde luego se compone de polos opuestos.
Por una parte, la sensibilidad del hombre que trata irremediablemente de evitar que su patria caiga en manos de los rusos, admirado aún en los momentos de precaria salud y celebrado por un pueblo que está dispuesto a dar su vida por él; por el otro, el irreversible castigo al responsable directo de la muerte de más de 6 millones de Judíos en los campos de concentración.
El personaje que nos abre la puerta y nos permite ingresar al círculo íntimo de Adolf es precisamente una de sus secretarias Traudl Junge quien a lo largo de aproximadamente 3 años sirvió a Adolf, y cuya juventud posiblemente nunca le llevo a interesarse en lo que estaba sucediendo tras las puertas de Berlín, algo de lo que ella misma se arrepiente.
El trabajo de recreación del año 45’ es excelente pese a que en un 80% de las tomas fueron realizadas en el centro de operaciones de Hitler. De cualquier forma la cámara se atreve a recorrer calles y hospitales para darle mayor realismo a la crónica.
La caída es ante todo un documento histórico imprescindible para quienes gustan de allegarse de elementos suficientes para entender páginas de la historia; en este caso el documento nos permite reconocer a siniestros actores tales como Joseph Goebbels (ministro de propaganda) ó Heinrich Himmler (Director de la SS), así como Eva Braun y Magda Goebbels.
Der Untergang, original de esta cinta, posee momentos –más que escenas- desgarradoras, que nos hacen difícil comprender los patrones de conducta nacidos en la mente de los personajes centrales.
Resulta indignante por ejemplo presenciar a Magda Goebbels manifestando que “ de ninguna manera permitirá que sus hijos vivan en un régimen no socialista, o la insistencia de Joseph Goebbels de seguir defendiendo lo indefendible a costa de un puebla que está sufriendo lo indecible.
Nadie desde luego saldrá de la sala admirando a Hitler, eso es algo que ninguna cinta pasada ó futuro podrá lograr, sin embargo queda de manifiesto la locura quizá sea un arte que seguramente ningún ser humano querrá esbozar como lo hizo Adolf Hitler.
Las últimas horas que Adolf Hitler vivió en su bunker enclavado en Berlín….
En torno a este momento se desarrolla esta cinta bien realizada protagonizada por el mejor y más popular actor alemán de nombre Bruno Ganz quien encarna magistralmente a uno de los personajes más triste célebres de la historia moderna.
Desde luego que puede haber –ha habido – críticas muy fuertes sobre la visión que parece irse construyendo sobre Adolf por el director Oliver Hirschbiegel y que desde luego se compone de polos opuestos.
Por una parte, la sensibilidad del hombre que trata irremediablemente de evitar que su patria caiga en manos de los rusos, admirado aún en los momentos de precaria salud y celebrado por un pueblo que está dispuesto a dar su vida por él; por el otro, el irreversible castigo al responsable directo de la muerte de más de 6 millones de Judíos en los campos de concentración.
El personaje que nos abre la puerta y nos permite ingresar al círculo íntimo de Adolf es precisamente una de sus secretarias Traudl Junge quien a lo largo de aproximadamente 3 años sirvió a Adolf, y cuya juventud posiblemente nunca le llevo a interesarse en lo que estaba sucediendo tras las puertas de Berlín, algo de lo que ella misma se arrepiente.
El trabajo de recreación del año 45’ es excelente pese a que en un 80% de las tomas fueron realizadas en el centro de operaciones de Hitler. De cualquier forma la cámara se atreve a recorrer calles y hospitales para darle mayor realismo a la crónica.
La caída es ante todo un documento histórico imprescindible para quienes gustan de allegarse de elementos suficientes para entender páginas de la historia; en este caso el documento nos permite reconocer a siniestros actores tales como Joseph Goebbels (ministro de propaganda) ó Heinrich Himmler (Director de la SS), así como Eva Braun y Magda Goebbels.
Der Untergang, original de esta cinta, posee momentos –más que escenas- desgarradoras, que nos hacen difícil comprender los patrones de conducta nacidos en la mente de los personajes centrales.
Resulta indignante por ejemplo presenciar a Magda Goebbels manifestando que “ de ninguna manera permitirá que sus hijos vivan en un régimen no socialista, o la insistencia de Joseph Goebbels de seguir defendiendo lo indefendible a costa de un puebla que está sufriendo lo indecible.
Nadie desde luego saldrá de la sala admirando a Hitler, eso es algo que ninguna cinta pasada ó futuro podrá lograr, sin embargo queda de manifiesto la locura quizá sea un arte que seguramente ningún ser humano querrá esbozar como lo hizo Adolf Hitler.
martes, 23 de agosto de 2005
THE AMITYVILLE HORROR
The Amityville Horror
La primera película de terror que recuerdoen mi vida fue Amityville II The Possession, por allá de 1982; tendría unos 15 años y quedé verdaderamente impactado.
A partir de ese momento el cine de terror se convirtió en uno de mis géneros favoritos y desde luego en uno de los más socorridos a lo largo de las investigaciones que tuve ocasión de realizar en la Universidad particularmente en el módulo de cine.
De aquel lejano año ya pasó casi un cuarto de siglo, y sigo aferrado al género, habiendo visto pasar a Nicholson en el Resplandor, al endemoniado auto Christine, los monstruos de la Universal encabezados por Frankstein y Drácula…hasta las recientes producciones japonesas como el Aro, La Maldición y Una llamada perdida.
Bien, resulta que finalmente pude checar en directo - en el cine- la producción que se realizó tomando como base los “hechos reales” descritos en la exitosa novela de Jay Anson’s publicada en el mítico 1977, The Amityville Horror.
En este remake a la cinta original del 79, el director Andrew Douglas cuenta con los avances tecnológicos con los que en su tiempo no contaban los directores Rosenberg (79) y el italo Damiáni (82) en las respectivas I y II; lo anterior le permite explotar con mayor realismo los horrores y visiones de los que son objeto los protagonistas.
The Amityville Horror se centra en las vivencias de George y Kathy Lutz en la famosa casa del 112 de Ocean Avenue - que para Douglas es 412-, junto a los tres hijos de ella, y que llevan a la familia a quedar prácticamente al borde de la locura, desesperación y muerte tras 28 días de haberla habitado.
El júbilo por la nueva "casita" poco a poco va tomando oscuros horizontes cuando los hijos recriminan a la pareja el no haberles confesado que en esta casa se había perpetrado el asesinato de la familia DeFeo, en manos de su propio hijo Ronnie DeFeo el 14 de noviembre de 1974, quien alegó la presencia de voces internas susurrándole Katch´em Kill´em….,( tema precisamente que se aborda a manera de precuela en The Possession de 1982)
De ahí podrán imaginar los lectores, que el director va arremetiendo contra los espectadores sobre la base de los consabidos efectos especiales usados particularmente en El Aro -en clara referencia a la niña del largo cabello lacio- y las transformaciones usadas recientemente en el Exorcista de 2004. No obstante el mejor momento de la cinta acude al suspenso del estilo Vértigo del maestro Hitchcock, y no al horror característico de este tipo de obras.
Aún así y sin llegar a los niveles que en su tiempo alcanzó The Amityville II: The Possession de Damiano Damiani, The Amty Horror es sin lugar a dudas una de las mejores producciones que se han hecho de esta historia -que alcanza las 5 ó 6 secuelas-, superando desde luego a su puesta original y no creo que decepcione a los fans que vieron el horror/terror por primera vez en los tenebrosos pasillos de esta casa.
La primera película de terror que recuerdoen mi vida fue Amityville II The Possession, por allá de 1982; tendría unos 15 años y quedé verdaderamente impactado.
A partir de ese momento el cine de terror se convirtió en uno de mis géneros favoritos y desde luego en uno de los más socorridos a lo largo de las investigaciones que tuve ocasión de realizar en la Universidad particularmente en el módulo de cine.
De aquel lejano año ya pasó casi un cuarto de siglo, y sigo aferrado al género, habiendo visto pasar a Nicholson en el Resplandor, al endemoniado auto Christine, los monstruos de la Universal encabezados por Frankstein y Drácula…hasta las recientes producciones japonesas como el Aro, La Maldición y Una llamada perdida.
Bien, resulta que finalmente pude checar en directo - en el cine- la producción que se realizó tomando como base los “hechos reales” descritos en la exitosa novela de Jay Anson’s publicada en el mítico 1977, The Amityville Horror.
En este remake a la cinta original del 79, el director Andrew Douglas cuenta con los avances tecnológicos con los que en su tiempo no contaban los directores Rosenberg (79) y el italo Damiáni (82) en las respectivas I y II; lo anterior le permite explotar con mayor realismo los horrores y visiones de los que son objeto los protagonistas.
The Amityville Horror se centra en las vivencias de George y Kathy Lutz en la famosa casa del 112 de Ocean Avenue - que para Douglas es 412-, junto a los tres hijos de ella, y que llevan a la familia a quedar prácticamente al borde de la locura, desesperación y muerte tras 28 días de haberla habitado.
El júbilo por la nueva "casita" poco a poco va tomando oscuros horizontes cuando los hijos recriminan a la pareja el no haberles confesado que en esta casa se había perpetrado el asesinato de la familia DeFeo, en manos de su propio hijo Ronnie DeFeo el 14 de noviembre de 1974, quien alegó la presencia de voces internas susurrándole Katch´em Kill´em….,( tema precisamente que se aborda a manera de precuela en The Possession de 1982)
De ahí podrán imaginar los lectores, que el director va arremetiendo contra los espectadores sobre la base de los consabidos efectos especiales usados particularmente en El Aro -en clara referencia a la niña del largo cabello lacio- y las transformaciones usadas recientemente en el Exorcista de 2004. No obstante el mejor momento de la cinta acude al suspenso del estilo Vértigo del maestro Hitchcock, y no al horror característico de este tipo de obras.
Aún así y sin llegar a los niveles que en su tiempo alcanzó The Amityville II: The Possession de Damiano Damiani, The Amty Horror es sin lugar a dudas una de las mejores producciones que se han hecho de esta historia -que alcanza las 5 ó 6 secuelas-, superando desde luego a su puesta original y no creo que decepcione a los fans que vieron el horror/terror por primera vez en los tenebrosos pasillos de esta casa.
THE AMMITYVILLE HORROR / 23.08.05
La primera película de terror que recuerdoen mi vida fue Amityville II The Possession, por allá de 1982; tendría unos 15 años y quedé verdaderamente impactado.
A partir de ese momento el cine de terror se convirtió en uno de mis géneros favoritos y desde luego en uno de los más socorridos a lo largo de las investigaciones que tuve ocasión de realizar en la Universidad particularmente en el módulo de cine.
De aquel lejano año ya pasó casi un cuarto de siglo, y sigo aferrado al género, habiendo visto pasar a Nicholson en el Resplandor, al endemoniado auto Christine, los monstruos de la Universal encabezados por Frankstein y Drácula…hasta las recientes producciones japonesas como el Aro, La Maldición y Una llamada perdida.
Bien, resulta que finalmente pude checar en directo - en el cine- la producción que se realizó tomando como base los “hechos reales” descritos en la exitosa novela de Jay Anson’s publicada en el mítico 1977, The Amityville Horror.
En este remake a la cinta original del 79, el director Andrew Douglas cuenta con los avances tecnológicos con los que en su tiempo no contaban los directores Rosenberg (79) y el italo Damiáni (82) en las respectivas I y II; lo anterior le permite explotar con mayor realismo los horrores y visiones de los que son objeto los protagonistas.
The Amityville Horror se centra en las vivencias de George y Kathy Lutz en la famosa casa del 112 de Ocean Avenue - que para Douglas es 412-, junto a los tres hijos de ella, y que llevan a la familia a quedar prácticamente al borde de la locura, desesperación y muerte tras 28 días de haberla habitado.
El júbilo por la nueva "casita" poco a poco va tomando oscuros horizontes cuando los hijos recriminan a la pareja el no haberles confesado que en esta casa se había perpetrado el asesinato de la familia DeFeo, en manos de su propio hijo Ronnie DeFeo el 14 de noviembre de 1974, quien alegó la presencia de voces internas susurrándole Katch´em Kill´em….,( tema precisamente que se aborda a manera de precuela en The Possession de 1982)
De ahí podrán imaginar los lectores, que el director va arremetiendo contra los espectadores sobre la base de los consabidos efectos especiales usados particularmente en El Aro -en clara referencia a la niña del largo cabello lacio- y las transformaciones usadas recientemente en el Exorcista de 2004. No obstante el mejor momento de la cinta acude al suspenso del estilo Vértigo del maestro Hitchcock, y no al horror característico de este tipo de obras.
Aún así y sin llegar a los niveles que en su tiempo alcanzó The Amityville II: The Possession de Damiano Damiani, The Amty Horror es sin lugar a dudas una de las mejores producciones que se han hecho de esta historia -que alcanza las 5 ó 6 secuelas-, superando desde luego a su puesta original y no creo que decepcione a los fans que vieron el horror/terror por primera vez en los tenebrosos pasillos de esta casa.
A partir de ese momento el cine de terror se convirtió en uno de mis géneros favoritos y desde luego en uno de los más socorridos a lo largo de las investigaciones que tuve ocasión de realizar en la Universidad particularmente en el módulo de cine.
De aquel lejano año ya pasó casi un cuarto de siglo, y sigo aferrado al género, habiendo visto pasar a Nicholson en el Resplandor, al endemoniado auto Christine, los monstruos de la Universal encabezados por Frankstein y Drácula…hasta las recientes producciones japonesas como el Aro, La Maldición y Una llamada perdida.
Bien, resulta que finalmente pude checar en directo - en el cine- la producción que se realizó tomando como base los “hechos reales” descritos en la exitosa novela de Jay Anson’s publicada en el mítico 1977, The Amityville Horror.
En este remake a la cinta original del 79, el director Andrew Douglas cuenta con los avances tecnológicos con los que en su tiempo no contaban los directores Rosenberg (79) y el italo Damiáni (82) en las respectivas I y II; lo anterior le permite explotar con mayor realismo los horrores y visiones de los que son objeto los protagonistas.
The Amityville Horror se centra en las vivencias de George y Kathy Lutz en la famosa casa del 112 de Ocean Avenue - que para Douglas es 412-, junto a los tres hijos de ella, y que llevan a la familia a quedar prácticamente al borde de la locura, desesperación y muerte tras 28 días de haberla habitado.
El júbilo por la nueva "casita" poco a poco va tomando oscuros horizontes cuando los hijos recriminan a la pareja el no haberles confesado que en esta casa se había perpetrado el asesinato de la familia DeFeo, en manos de su propio hijo Ronnie DeFeo el 14 de noviembre de 1974, quien alegó la presencia de voces internas susurrándole Katch´em Kill´em….,( tema precisamente que se aborda a manera de precuela en The Possession de 1982)
De ahí podrán imaginar los lectores, que el director va arremetiendo contra los espectadores sobre la base de los consabidos efectos especiales usados particularmente en El Aro -en clara referencia a la niña del largo cabello lacio- y las transformaciones usadas recientemente en el Exorcista de 2004. No obstante el mejor momento de la cinta acude al suspenso del estilo Vértigo del maestro Hitchcock, y no al horror característico de este tipo de obras.
Aún así y sin llegar a los niveles que en su tiempo alcanzó The Amityville II: The Possession de Damiano Damiani, The Amty Horror es sin lugar a dudas una de las mejores producciones que se han hecho de esta historia -que alcanza las 5 ó 6 secuelas-, superando desde luego a su puesta original y no creo que decepcione a los fans que vieron el horror/terror por primera vez en los tenebrosos pasillos de esta casa.
lunes, 22 de agosto de 2005
EL GRAN PEZ / 23.08.05
Edward Bloom´s ha venido contando las sorprendentes historias de su vida a lo largo de casi 70 años...historias que se sucedieron una a otra y que concluyeron con el nacimiento de su hijo, momento en el que acaba la historia y comienza la leyenda del Gran Pez.
De tal forma la vida y obra de Edward Blooms convive con los sueños y fantasías de Tim Burton quien a partir de esta sencilla pero profunda historia plasma paisajes coloridos que van desde un circo con todo y hombres bala, hasta un pintoresco pueblito escondido en medio de la nada.
A lo largo de la cinta queda claro como Burton aborda los inhóspitos sentimientos que afloran en la vida del ser humano, tomando parte ficción y parte realidad para brindarnos una bella historia enmarcada por la garantía visual del cineasta. Porque con Tim Burton algo es seguro: las exóticas y por momentos surrealistas escenas que invaden la pantalla.
Aún así , la cinta en ningún momento pierde la narrativa; de ninguna forma se distrae el espectador de la temática central, la vida de Edward Bloom’s, sus razones para elevar al grado de mito sus años “idos”.
Hansel y Gretel en medio de una narrativa profunda, diría yo al momento de comenzar a comprender dichas razones. Edward- recordando al manos de tijera del mismo creador- en el país de las maravillas, recorriendo su vida entre buques y piratas, como si se tratará del Peter Pan del nuevo siglo.
Una película verdaderamente emotiva y de enormes proporciones tanto éticas como estéticas....
De tal forma la vida y obra de Edward Blooms convive con los sueños y fantasías de Tim Burton quien a partir de esta sencilla pero profunda historia plasma paisajes coloridos que van desde un circo con todo y hombres bala, hasta un pintoresco pueblito escondido en medio de la nada.
A lo largo de la cinta queda claro como Burton aborda los inhóspitos sentimientos que afloran en la vida del ser humano, tomando parte ficción y parte realidad para brindarnos una bella historia enmarcada por la garantía visual del cineasta. Porque con Tim Burton algo es seguro: las exóticas y por momentos surrealistas escenas que invaden la pantalla.
Aún así , la cinta en ningún momento pierde la narrativa; de ninguna forma se distrae el espectador de la temática central, la vida de Edward Bloom’s, sus razones para elevar al grado de mito sus años “idos”.
Hansel y Gretel en medio de una narrativa profunda, diría yo al momento de comenzar a comprender dichas razones. Edward- recordando al manos de tijera del mismo creador- en el país de las maravillas, recorriendo su vida entre buques y piratas, como si se tratará del Peter Pan del nuevo siglo.
Una película verdaderamente emotiva y de enormes proporciones tanto éticas como estéticas....
martes, 16 de agosto de 2005
THE GATHERING / 16.08.05
De entre todos los personajes históricos que han sido mencionados como parte fundamental de la Pasión de Cristo, que concluye con su crucifixión en el Monte Calvario, nunca se habían señalado a aquellos que simple y sencillamente miraron el acontecimiento sin ser realmente partícipes.
Brian Gilbert basa en dichos personajes la premisa de Almas Malditas, cinta de 2002 que resulta ser una interesante propuesta de horror ficción. Más desde luego por el tema que es sumamente original y a mi parecer pocas veces tratado, que en si por la resolución final que se encuadra en los clásicos finales de suspenso y misterio americano.
Christina Ricci es nuevamente un personaje extraño que carga con un pasado y ciertos problemas que deberá de resolver; y que nos contagia por sus buenos momentos , sin llegar desde luego a ser la Merlina del nuevo siglo que alcanzó niveles extraordinarios en Monster.
Con todo y el temblor que me agarró en plena función, The Gathering es una muy buena película que resalta de entre lo que hoy tenemos en cartelera, y acude a la originalidad del tema.
La consistencia de la trama quizá no sea lo esperado cuando estamos ante esos pedazos de originalidad, pero nunca deja que se le escape la esencia que la enmarca.
Brian Gilbert basa en dichos personajes la premisa de Almas Malditas, cinta de 2002 que resulta ser una interesante propuesta de horror ficción. Más desde luego por el tema que es sumamente original y a mi parecer pocas veces tratado, que en si por la resolución final que se encuadra en los clásicos finales de suspenso y misterio americano.
Christina Ricci es nuevamente un personaje extraño que carga con un pasado y ciertos problemas que deberá de resolver; y que nos contagia por sus buenos momentos , sin llegar desde luego a ser la Merlina del nuevo siglo que alcanzó niveles extraordinarios en Monster.
Con todo y el temblor que me agarró en plena función, The Gathering es una muy buena película que resalta de entre lo que hoy tenemos en cartelera, y acude a la originalidad del tema.
La consistencia de la trama quizá no sea lo esperado cuando estamos ante esos pedazos de originalidad, pero nunca deja que se le escape la esencia que la enmarca.
martes, 2 de agosto de 2005
REPORTAJE / 02.08.05
Si alguno de ustedes gusta del cine mexicano antiguo y está familiarizado con las luminarias de la que llamada Epoca de Oro, ó simplemente quiere comenzar a revisar este período de nuestro cine, les recomiendo Reportaje.
Una película conformada por varias historias corren a través de la última noche de 1953, y que son eje central de lo que podría ser al final del año La Nota más impactante de la noche.
Originalmente ideada como una obra filantrópica en la que solamente el director Emilio “el Indio” Fernández cobraría, -y así fue- las historias llevan repartos de primer nivel, quizá con la notable ausencia del mimo Mario Moreno Cantinflas y Sara García.
Los nombres que recorren la pantalla y le dan vida a los personajes son verdaderamente excepcionales y lo más importante, un retrato de quienes eran los artistas más taquilleros y mejor dotados de hace medio siglo en nuestro país.
Adicionalmente las historias en su gran mayoría son muy interesantes y en algunos momentos sobresalientes, como la que protagonizan Pedro Infante, Domingo Soler y Manolo Fábregas...antecedente más que directo de las historias de misterio norteamericanas.
Y que decir de los momentos que se viven en la comisaría, en el legendario Salón Riviera, en la Cruz Roja, o en el Hotel en el que María Félix y Jorge Negrete terminan parodiando sus propios nombres.
Reportaje es sin duda una película –serie de historias- única e inigualable que les permitirá conocer a los viejos actores que hicieron época en nuestro cine.
Una película conformada por varias historias corren a través de la última noche de 1953, y que son eje central de lo que podría ser al final del año La Nota más impactante de la noche.
Originalmente ideada como una obra filantrópica en la que solamente el director Emilio “el Indio” Fernández cobraría, -y así fue- las historias llevan repartos de primer nivel, quizá con la notable ausencia del mimo Mario Moreno Cantinflas y Sara García.
Los nombres que recorren la pantalla y le dan vida a los personajes son verdaderamente excepcionales y lo más importante, un retrato de quienes eran los artistas más taquilleros y mejor dotados de hace medio siglo en nuestro país.
Adicionalmente las historias en su gran mayoría son muy interesantes y en algunos momentos sobresalientes, como la que protagonizan Pedro Infante, Domingo Soler y Manolo Fábregas...antecedente más que directo de las historias de misterio norteamericanas.
Y que decir de los momentos que se viven en la comisaría, en el legendario Salón Riviera, en la Cruz Roja, o en el Hotel en el que María Félix y Jorge Negrete terminan parodiando sus propios nombres.
Reportaje es sin duda una película –serie de historias- única e inigualable que les permitirá conocer a los viejos actores que hicieron época en nuestro cine.
NI MUY MUY NI TAN TAN / 02.08.05
Ni muy muy ni Tan Tan ...simplemente Tin Tan.
Para muchos el mejor cómico mexicano incluso sobre Cantinflas....dicen los que vivieron la época de oro del cine mexicano, que para su “desgracia” Tin Tan atraía a grupos marginados y pobres y de ahí que la crítica nunca lo terminaba por reconocer en su momento y haya establecido y preferido como nuestro principal exponente a Mario Moreno y no a Germán Valdez.
Pero más alláde esto, Ni muy muy....es un excelente documental en el que ante todo queda de manifiesto la versatilidad del cómico radicado en el norte del país y posteriormente por apoyo de su estimado amigo Paco Miller (ventrílocuo) haya dado los primero saltos hacia la gran ciudad.
Se habla de sus orígenes, familia , hermanos y por supuesto a su obra, desde un cortometraje inédito para el público hasta sus más reconocidas como el Rey del Barrio, el ceniciento y su brillante participación junto con las estrellas de la época en “Reportaje” [CRU1] del Indio Fernández.
Desde luego como buen documento se presentan relevantes testimoniales de diversos personajes del medio musical y artístico e intelectual. Interesante sin duda.
Al terminar la cinta queda claro que la presencia de Tin Tan abrió puertas que influirían en diversos artistas hasta nuestros días y eso es algo que se debe de reconocer y de hecho se reconoce...
En conclusión, Viva Tin Tan muera Cantinflas...jajajajaja
Para muchos el mejor cómico mexicano incluso sobre Cantinflas....dicen los que vivieron la época de oro del cine mexicano, que para su “desgracia” Tin Tan atraía a grupos marginados y pobres y de ahí que la crítica nunca lo terminaba por reconocer en su momento y haya establecido y preferido como nuestro principal exponente a Mario Moreno y no a Germán Valdez.
Pero más alláde esto, Ni muy muy....es un excelente documental en el que ante todo queda de manifiesto la versatilidad del cómico radicado en el norte del país y posteriormente por apoyo de su estimado amigo Paco Miller (ventrílocuo) haya dado los primero saltos hacia la gran ciudad.
Se habla de sus orígenes, familia , hermanos y por supuesto a su obra, desde un cortometraje inédito para el público hasta sus más reconocidas como el Rey del Barrio, el ceniciento y su brillante participación junto con las estrellas de la época en “Reportaje” [CRU1] del Indio Fernández.
Desde luego como buen documento se presentan relevantes testimoniales de diversos personajes del medio musical y artístico e intelectual. Interesante sin duda.
Al terminar la cinta queda claro que la presencia de Tin Tan abrió puertas que influirían en diversos artistas hasta nuestros días y eso es algo que se debe de reconocer y de hecho se reconoce...
En conclusión, Viva Tin Tan muera Cantinflas...jajajajaja
miércoles, 20 de julio de 2005
LAND OF DEAD / 20.07.05
George A. Romero hizo en 1969 un film que se convirtió en un clásico del género de horror...La Noche de los Muertos Vivientes....
La secuela de los Zoombies se ha desarrollado desde entonces con mayor o menor calidad, pero de alguna manera en lo que respecta a Romero, siempre con una dosis de creatividad y novedad.
Después de haber realizado el amanecer de los muertos (79) y el día de los muertos(85), llega a la pantalla La Tierra de los Muertos que como las anteriores, nunca es igual y maneja aspectos que las anteriores no tuvieron.
Esta vez los muertos no sólo son cuerpos en vaivén sin razón; esta vez el ser humano...el ser humano.
Un buen remake de la sesentera en 1990 podría ser más familiar para algunos de ustedes.
Hacer una buena película de Horror no es tan fácil como muchos podrían creer, y en ocasiones las escenas repulsivas producen la sensación de que la movie es malísima, pero no es así...
En este caso puedo decirles que Land of the Dead es una buena muestra –quizá la última- de lo que este hombre (George A. Romero) proyectó y aportó al género.
La secuela de los Zoombies se ha desarrollado desde entonces con mayor o menor calidad, pero de alguna manera en lo que respecta a Romero, siempre con una dosis de creatividad y novedad.
Después de haber realizado el amanecer de los muertos (79) y el día de los muertos(85), llega a la pantalla La Tierra de los Muertos que como las anteriores, nunca es igual y maneja aspectos que las anteriores no tuvieron.
Esta vez los muertos no sólo son cuerpos en vaivén sin razón; esta vez el ser humano...el ser humano.
Un buen remake de la sesentera en 1990 podría ser más familiar para algunos de ustedes.
Hacer una buena película de Horror no es tan fácil como muchos podrían creer, y en ocasiones las escenas repulsivas producen la sensación de que la movie es malísima, pero no es así...
En este caso puedo decirles que Land of the Dead es una buena muestra –quizá la última- de lo que este hombre (George A. Romero) proyectó y aportó al género.
lunes, 18 de julio de 2005
LA ISLA MALDITA / 18.07.05
Isla Maldita pudo haber sido una película inolvidable, pero el director Renny Harlin exageró al final del film al querer distraer la atención. Cuando la vean la juzgarán.
Como pueden suponer la película bien pudo haberse llamada “A ver quien le atina al asesino”, de entre los agentes del FBI que se meten a una Isla perfectamente preparada para el entrenamiento de agentes especialistas en la lectura de perfiles de “serial Killers”.
De aquí parte la trama. Y comienza con buen ritmo y sobre todo con la base métrica clave de una bien lograda película de suspenso...te atrapa desde el principio, te hace interesarte en el tema al grado de comenzar a resolver por propia cuenta los enigmas que se van presentando.
Harlin iba muy bien. Pero de pronto los enigmas se multiplicaron y dejo de ser agradable perseguir al asesino entre una abultada carga de pistas que al final de cuentas eran sobrepasadas por otras más , on and on and on....parecía interminable.
De cualquier forma la cinta es muy entretenida y por momentos brillante; la escena en la que uno de los agentes trata de cortar la electricidad es realmente formidable, un suspenso de primer nivel.
Con influencias en la obra de Ág h ata Christie , “and then there were none” 1939(‘), en la que un grupo de personas son llevadas a una cabaña en una Isla comenzando a aparecer cadáveres a diestra y siniestra, no dejando duda que entre ellos se encuentra el asesino, La isla Maldita (Mindhunters) nos introduce en este mundo de la lectura de patrones, de métodos y conductas que nos llevan por fuerza a tratar de concluir “quién es el culpable”””
p.d. Dondes estabas Clarice, cuando te necesitábamos....
Como pueden suponer la película bien pudo haberse llamada “A ver quien le atina al asesino”, de entre los agentes del FBI que se meten a una Isla perfectamente preparada para el entrenamiento de agentes especialistas en la lectura de perfiles de “serial Killers”.
De aquí parte la trama. Y comienza con buen ritmo y sobre todo con la base métrica clave de una bien lograda película de suspenso...te atrapa desde el principio, te hace interesarte en el tema al grado de comenzar a resolver por propia cuenta los enigmas que se van presentando.
Harlin iba muy bien. Pero de pronto los enigmas se multiplicaron y dejo de ser agradable perseguir al asesino entre una abultada carga de pistas que al final de cuentas eran sobrepasadas por otras más , on and on and on....parecía interminable.
De cualquier forma la cinta es muy entretenida y por momentos brillante; la escena en la que uno de los agentes trata de cortar la electricidad es realmente formidable, un suspenso de primer nivel.
Con influencias en la obra de Ág h ata Christie , “and then there were none” 1939(‘), en la que un grupo de personas son llevadas a una cabaña en una Isla comenzando a aparecer cadáveres a diestra y siniestra, no dejando duda que entre ellos se encuentra el asesino, La isla Maldita (Mindhunters) nos introduce en este mundo de la lectura de patrones, de métodos y conductas que nos llevan por fuerza a tratar de concluir “quién es el culpable”””
p.d. Dondes estabas Clarice, cuando te necesitábamos....
lunes, 11 de julio de 2005
Los Cuatro Fantásticos / 11.07.05
Nuevamente alguno de los héroes de comic Marvel asalta nuestros sentidos en la butaca de la sala....
En las últimos casi tres décadas se han escapado de la tinta y papel, Superman del 78, Batman de los 90’s, el Spider Man del nuevo siglo, El Hulk, Flash, y ahora los 4 fantásticos, una de las que conceptualmente se antojaba más complicada por la esencia misma de los superpoderes que cada uno de estos íconos pop encarna.
No obstante la tecnología logró llevar a la pantalla grande a los 4, con los mismos poderes que en 1967 vieron la luz en manos y plumilla de Stan Lee (Spider Man) y su socio Jack Kirby a lo largo de 102 capítulos del ya legendario comic.
Los personajes son los conocidos por 3 generaciones de asiduos lectores y amantes de la serie televisiva de Hanna Barbera. La historia no lo es.
Hay fuertes distorsiones en cuanto a la trama en la que Red Richard aparece muy alejado del millonario egresado de la Universidad Empire State en la que confiesa sus sueños a Ben Grimm, jugador de futbol americano, de construir una nave intergaláctica. Y aunque el orden de los factores no altera el producto final , puede resultar molesto para los fans de todos los tiempos.
De cualquier forma el fin podría justificar lo medios, ya que después de todo la lucha entre los 4 y el conocido Dr, Doom, (en México Dr Muerte, obsesionado por demostrar su superioridad intelectual frente a Reed Richards) termina por convertirse en el eje de la acción.
Así tras descubrir que han sido afectados en el espacio exterior por una tormenta de rayos cósmicos, los 4 científicos y el millonario Víctor Doom iniciarán la trama.
En principio las aventuras del cuarteto eran más curiosidades que grandes proezas, como por ejemplo la escena en que La Mole (realmente La Cosa) se traga un tenedor ó Johnny Storm se incendia en medio de la nieve.
La película de cualquier forma encuentra momentos de efectos/acción interesantes principalmente en el rescate que realizan en uno de los puentes que une a Manhattan con los suburbios de la zona; por vez primera se ven en plenitud los poderes de los 4 fantásticos.
Los 4 fantásticos poco a poco van tomando conciencia de la misión que deben encarar, misma que se ve fortalecida al momento en que el Dr. Doom jura destruir a Reed Richard.
Al final tras una batalla singular pero muy limitada en cuanto a tiempo espacio, se deja entrever que el Dr. Muerte regresará para sembrar destrucción.
Los 4 F no es la mejor película que se ha retomado de las historietas, quizá por una sencilla razón...El comic rebasó a la tecnología....y para apreciar la grandeza de estos héroes más valdría una mañana de matinée frente a la serie original ó de plano regresarse al comic y echar a volar la imaginación.
p.d. Quédate en el comic Aquaman.
En las últimos casi tres décadas se han escapado de la tinta y papel, Superman del 78, Batman de los 90’s, el Spider Man del nuevo siglo, El Hulk, Flash, y ahora los 4 fantásticos, una de las que conceptualmente se antojaba más complicada por la esencia misma de los superpoderes que cada uno de estos íconos pop encarna.
No obstante la tecnología logró llevar a la pantalla grande a los 4, con los mismos poderes que en 1967 vieron la luz en manos y plumilla de Stan Lee (Spider Man) y su socio Jack Kirby a lo largo de 102 capítulos del ya legendario comic.
Los personajes son los conocidos por 3 generaciones de asiduos lectores y amantes de la serie televisiva de Hanna Barbera. La historia no lo es.
Hay fuertes distorsiones en cuanto a la trama en la que Red Richard aparece muy alejado del millonario egresado de la Universidad Empire State en la que confiesa sus sueños a Ben Grimm, jugador de futbol americano, de construir una nave intergaláctica. Y aunque el orden de los factores no altera el producto final , puede resultar molesto para los fans de todos los tiempos.
De cualquier forma el fin podría justificar lo medios, ya que después de todo la lucha entre los 4 y el conocido Dr, Doom, (en México Dr Muerte, obsesionado por demostrar su superioridad intelectual frente a Reed Richards) termina por convertirse en el eje de la acción.
Así tras descubrir que han sido afectados en el espacio exterior por una tormenta de rayos cósmicos, los 4 científicos y el millonario Víctor Doom iniciarán la trama.
En principio las aventuras del cuarteto eran más curiosidades que grandes proezas, como por ejemplo la escena en que La Mole (realmente La Cosa) se traga un tenedor ó Johnny Storm se incendia en medio de la nieve.
La película de cualquier forma encuentra momentos de efectos/acción interesantes principalmente en el rescate que realizan en uno de los puentes que une a Manhattan con los suburbios de la zona; por vez primera se ven en plenitud los poderes de los 4 fantásticos.
Los 4 fantásticos poco a poco van tomando conciencia de la misión que deben encarar, misma que se ve fortalecida al momento en que el Dr. Doom jura destruir a Reed Richard.
Al final tras una batalla singular pero muy limitada en cuanto a tiempo espacio, se deja entrever que el Dr. Muerte regresará para sembrar destrucción.
Los 4 F no es la mejor película que se ha retomado de las historietas, quizá por una sencilla razón...El comic rebasó a la tecnología....y para apreciar la grandeza de estos héroes más valdría una mañana de matinée frente a la serie original ó de plano regresarse al comic y echar a volar la imaginación.
p.d. Quédate en el comic Aquaman.
martes, 5 de julio de 2005
LA GUERRA DE LOS MUNDOS / 05.07.05
A fines del siglo antepasado el escritor Herbert G. Wells (H.G. Wells) publicó la novela La Guerra de los Mundos misma que de alguna manera se convirtió en la incipiente semilla de la ciencia ficción que de igual manera Julio Verne alimentaría a través de sus obras durante el mismo siglo 19.
La novela de H.G. Wells de igual manera fue base de uno de los momentos más recordados en la naciente industria de la radio cuando en 1938 Orson Wells comenzó a leer extractos de la novela a manera de boletines informativos, al aire y de forma tan natural que parte de la sociedad americana pensó que realmente éramos invadidos por los extraterrestres; ese programa transmitido el 30 de octubre vía CBS es un hito en la historia de las comunicaciones.
Para 1953 La Guerra de los Mundos se llevó por vez primera al cine y la película es hoy en día una fina joya de colección para los amantes de la ciencia ficción de todas las épocas.
Con estos antecedentes Steven Spielberg decidió llevar medio siglo después de su antecesora, una nueva versión de esta novela al celuloide; con los avances propios de la tecnología al servicio de Hollywood, Spielberg se aventó el reto de plasmar las escenas de lo que muchos dibujantes del siglo pasado imaginaban ante los ataques marcianos propuestos por H.G.
Y el resultado es bueno a secas ya que Spielberg decidió tomar la avenida menos congestionada para resolver la cinta...LOS EFECTOS ESPECIALES.
Para los que gustan de los avances tecnológicos, la cinta no tiene pero alguno. Realmente impresionante, las escenas son espectaculares, al edición de imagen y sonido precisas –algo que es garantía de Spielberg, quien desde que mostró su Tiburón a mediados de los 70’s mostró creatividad infinita-.
Lamentablemente el tema central –La Invasión- solo se aborda a nivel forma y nunca de fondo. Salvo un par de momentos en que los seres humanos muestran esa desesperación, Spielberg se mete más a la guerra de las máquinas y sólo a través del narrador se adentra unos pocos minutos en la filosofía de la vida, del universo, de la muerte etc.
Incluso a nivel forma existen ciertas incongruencias tales como el hecho de que en miles de años nunca se hubiera detectado presencia de los gigantescos artefactos sembrados en debajo de la civilización.
El tema es condensado en un par de párrafos finales sin haber intentado desarrollar un guión más intenso que transmitiera sensaciones más acabadas al espectador.
Una buena película, pero de ninguna manera sobresaliente y muy por debajo en intensidad de los Encuentros Cercanos del Tercer Tipo.
La novela de H.G. Wells de igual manera fue base de uno de los momentos más recordados en la naciente industria de la radio cuando en 1938 Orson Wells comenzó a leer extractos de la novela a manera de boletines informativos, al aire y de forma tan natural que parte de la sociedad americana pensó que realmente éramos invadidos por los extraterrestres; ese programa transmitido el 30 de octubre vía CBS es un hito en la historia de las comunicaciones.
Para 1953 La Guerra de los Mundos se llevó por vez primera al cine y la película es hoy en día una fina joya de colección para los amantes de la ciencia ficción de todas las épocas.
Con estos antecedentes Steven Spielberg decidió llevar medio siglo después de su antecesora, una nueva versión de esta novela al celuloide; con los avances propios de la tecnología al servicio de Hollywood, Spielberg se aventó el reto de plasmar las escenas de lo que muchos dibujantes del siglo pasado imaginaban ante los ataques marcianos propuestos por H.G.
Y el resultado es bueno a secas ya que Spielberg decidió tomar la avenida menos congestionada para resolver la cinta...LOS EFECTOS ESPECIALES.
Para los que gustan de los avances tecnológicos, la cinta no tiene pero alguno. Realmente impresionante, las escenas son espectaculares, al edición de imagen y sonido precisas –algo que es garantía de Spielberg, quien desde que mostró su Tiburón a mediados de los 70’s mostró creatividad infinita-.
Lamentablemente el tema central –La Invasión- solo se aborda a nivel forma y nunca de fondo. Salvo un par de momentos en que los seres humanos muestran esa desesperación, Spielberg se mete más a la guerra de las máquinas y sólo a través del narrador se adentra unos pocos minutos en la filosofía de la vida, del universo, de la muerte etc.
Incluso a nivel forma existen ciertas incongruencias tales como el hecho de que en miles de años nunca se hubiera detectado presencia de los gigantescos artefactos sembrados en debajo de la civilización.
El tema es condensado en un par de párrafos finales sin haber intentado desarrollar un guión más intenso que transmitiera sensaciones más acabadas al espectador.
Una buena película, pero de ninguna manera sobresaliente y muy por debajo en intensidad de los Encuentros Cercanos del Tercer Tipo.
domingo, 12 de junio de 2005
STAR WARS EPISODIO III
La Guerra de las Galaxias (Star Wars)
Episodio III, la venganza de los sith….
Desde el momento en que R2 D2 le prende llamas a unos droides en lo que fueron los primeros minutos de esta celebrada cinta, quedó claro hacia donde dirigiría George Lucas la parte final de su opera galáctica…hacia la oscuridad y el endurecimiento de la temática.
Albert Castle
Ya habíamos comentado en diversos foros que el episodio III no resolvería preguntas, sino más bien nos mostraría la resolución de las respuestas. Y así fue…
El nacimiento, caída y redención del inefable Lord Vader es sin duda el eje de la ópera de Lucas. El manejo del atormentado personaje es excelente, realmente serio y bien dirigido, sobre todo si recordamos que muchas críticas sobre GL han sido en relación al deficiente trabajo relativo dirección de actores.
Por momentos uno llega a entender (sin justificar) las razones que llevaron a Anakin a ser seducido por el Lado Oscuro de la Fuerza. Su infancia como esclavo y la pérdida de su madre, así como su sed de venganza que lo llevará finalmente a unirse a los Sith.
Estos elementos que se rescatan de la Amenaza Fantasma y del Ataque de los Clones, van perfilando poco a poco al villano en ciernes, que será responsable de la muerte de la mayoría de los jedis, escenas fugaces pero con una carga emotiva que resolvió en pantalla una de las principales preguntas…la muerte de los caballeros Jedi.
El Canciller Palpatin es posiblemente el eslabón perdido entre las dos fuerzas, quien es revelado como el Darth Sidious, y desde luego el personaje más importante de la cinta. El es quien va definiendo la trama, suficiente para concederle a Ian McDiarmid el papel más inteligente de las tres primeras series. No hay duda.
George Lucas justifica con estos dos personajes (Vader y Sidious) el haber hecho esperar tres años a quienes esperábamos más seriedad de lo que sus dos antecesoras habían representado; alejarse un poco del público infantil y establecer porque esta obra se convirtió en un culto a fines de los 70’s.
Ahí está el valor de esta cinta.
Y además cuenta con la atinada decisión de Lucas al mantenernos en contacto con los personajes que hicieron época en las jugueterías Americanas y japonesas, pero bajo una óptica mucho más dramática y hasta cierto punto cruda. Desde el “Arthur” que escupe grasa, la escena del exilio Yoda ante las desesperación del famoso Chewbaca.. . Nostálgicamente en el peinado de la hermosa Natalie Portman en referencia a la futura princesa Leia
La fotografía también sufrió los estragos del endurecimiento al plasmar tonos mucho más agresivos que en cualquier otro momento; el blanco y negro es sustituido por tonos rojizos, niebla, negros ….la escena en la que Anakin en plena transición mental aterriza en Mustafar y baja de su nave; la escena es apocalíptica sin duda.
Es definitivamente una película que te captura por su “realismo”.
Para los fans, la tranquilidad de que Lucas cerró de manera perfecta el círculo, con una cinta espectacular, con matices verdaderamente oscuros y lo más importante, dándole seriedad a toda su obra.
Simple, la dirigió para los hermanos mayores de sus antiguos fans….
Episodio III, la venganza de los sith….
Desde el momento en que R2 D2 le prende llamas a unos droides en lo que fueron los primeros minutos de esta celebrada cinta, quedó claro hacia donde dirigiría George Lucas la parte final de su opera galáctica…hacia la oscuridad y el endurecimiento de la temática.
Albert Castle
Ya habíamos comentado en diversos foros que el episodio III no resolvería preguntas, sino más bien nos mostraría la resolución de las respuestas. Y así fue…
El nacimiento, caída y redención del inefable Lord Vader es sin duda el eje de la ópera de Lucas. El manejo del atormentado personaje es excelente, realmente serio y bien dirigido, sobre todo si recordamos que muchas críticas sobre GL han sido en relación al deficiente trabajo relativo dirección de actores.
Por momentos uno llega a entender (sin justificar) las razones que llevaron a Anakin a ser seducido por el Lado Oscuro de la Fuerza. Su infancia como esclavo y la pérdida de su madre, así como su sed de venganza que lo llevará finalmente a unirse a los Sith.
Estos elementos que se rescatan de la Amenaza Fantasma y del Ataque de los Clones, van perfilando poco a poco al villano en ciernes, que será responsable de la muerte de la mayoría de los jedis, escenas fugaces pero con una carga emotiva que resolvió en pantalla una de las principales preguntas…la muerte de los caballeros Jedi.
El Canciller Palpatin es posiblemente el eslabón perdido entre las dos fuerzas, quien es revelado como el Darth Sidious, y desde luego el personaje más importante de la cinta. El es quien va definiendo la trama, suficiente para concederle a Ian McDiarmid el papel más inteligente de las tres primeras series. No hay duda.
George Lucas justifica con estos dos personajes (Vader y Sidious) el haber hecho esperar tres años a quienes esperábamos más seriedad de lo que sus dos antecesoras habían representado; alejarse un poco del público infantil y establecer porque esta obra se convirtió en un culto a fines de los 70’s.
Ahí está el valor de esta cinta.
Y además cuenta con la atinada decisión de Lucas al mantenernos en contacto con los personajes que hicieron época en las jugueterías Americanas y japonesas, pero bajo una óptica mucho más dramática y hasta cierto punto cruda. Desde el “Arthur” que escupe grasa, la escena del exilio Yoda ante las desesperación del famoso Chewbaca.. . Nostálgicamente en el peinado de la hermosa Natalie Portman en referencia a la futura princesa Leia
La fotografía también sufrió los estragos del endurecimiento al plasmar tonos mucho más agresivos que en cualquier otro momento; el blanco y negro es sustituido por tonos rojizos, niebla, negros ….la escena en la que Anakin en plena transición mental aterriza en Mustafar y baja de su nave; la escena es apocalíptica sin duda.
Es definitivamente una película que te captura por su “realismo”.
Para los fans, la tranquilidad de que Lucas cerró de manera perfecta el círculo, con una cinta espectacular, con matices verdaderamente oscuros y lo más importante, dándole seriedad a toda su obra.
Simple, la dirigió para los hermanos mayores de sus antiguos fans….
lunes, 6 de junio de 2005
THE HOUSE OF WAX / 06.06.05
Habría que remontarse a 1933 cuando se realizó en la incipiente técnica Technicolor la cinta Misterios en el Museo de Cera.
Dirigida por Michael Curtiz, esta película se inscribe en el género de terror –no de horror- en la que el escultor de figuras de cera Ivan Igor queda en bancarrota y su socio decide quemar el Museo para hacer válido un seguro contra siniestros, sin que Igor pueda impedirlo.
Años después, Iván aparece en New York paralítico y sin posibilidad de uso de sus manos para el delicado arte de la escultura y comienza a asesinar y a robar los cadáveres de la morgue para recrear figuras tales como la reina de Francia Maria Antonieta.
Bajo las mismas premisas, en 1953 el icono de las obras de Edgar Allan Poe, Vincent Price revive en la pantalla la historia del Museo de Cera.
Con estos dos referentes nos situamos en las épocas actuales (the presents days) para darnos cuenta de cómo un grupo de jóvenes son víctimas de un par de hermanos hijos de una especie de Madame Tussaud´s (museo fundado hace más de 200 años por Marie Grosholtz), y de un cirujano venido a menos.
El fantasmoide pueblo de Ambrose en Luisiana es el escenario en el que los protagonistas se debaten entre la vida y la muerte, mientras los gemelotes Bo y Vincent, dementes enfermos, pretenden incrementar cada figura del Museo, ya se imagina el amable lector de que manera …
En algo que nos pudiera recordar al famoso Camp Crystal en el que Jason hiciera de las suyas, el pueblo fantasma elegido enclava como única distinción, al viejo Museo, y como eje principal, en él queda de manifiesto la locura de estos asesinos seriales.
Muerte tras muerte la película (incluida Paris Milton) es obviamente predecible pero cumple la función de asustar al espectador y hasta se da el lujo de presentar una apocalíptica escena final en la que la casona de cera queda reducida a ceniza líquida.
Por lo demás sólo un regular intento de actualizar el tema de la figurillas de cera, no más.
Dirigida por Michael Curtiz, esta película se inscribe en el género de terror –no de horror- en la que el escultor de figuras de cera Ivan Igor queda en bancarrota y su socio decide quemar el Museo para hacer válido un seguro contra siniestros, sin que Igor pueda impedirlo.
Años después, Iván aparece en New York paralítico y sin posibilidad de uso de sus manos para el delicado arte de la escultura y comienza a asesinar y a robar los cadáveres de la morgue para recrear figuras tales como la reina de Francia Maria Antonieta.
Bajo las mismas premisas, en 1953 el icono de las obras de Edgar Allan Poe, Vincent Price revive en la pantalla la historia del Museo de Cera.
Con estos dos referentes nos situamos en las épocas actuales (the presents days) para darnos cuenta de cómo un grupo de jóvenes son víctimas de un par de hermanos hijos de una especie de Madame Tussaud´s (museo fundado hace más de 200 años por Marie Grosholtz), y de un cirujano venido a menos.
El fantasmoide pueblo de Ambrose en Luisiana es el escenario en el que los protagonistas se debaten entre la vida y la muerte, mientras los gemelotes Bo y Vincent, dementes enfermos, pretenden incrementar cada figura del Museo, ya se imagina el amable lector de que manera …
En algo que nos pudiera recordar al famoso Camp Crystal en el que Jason hiciera de las suyas, el pueblo fantasma elegido enclava como única distinción, al viejo Museo, y como eje principal, en él queda de manifiesto la locura de estos asesinos seriales.
Muerte tras muerte la película (incluida Paris Milton) es obviamente predecible pero cumple la función de asustar al espectador y hasta se da el lujo de presentar una apocalíptica escena final en la que la casona de cera queda reducida a ceniza líquida.
Por lo demás sólo un regular intento de actualizar el tema de la figurillas de cera, no más.
martes, 3 de mayo de 2005
VERA DRAKE / 03.05.05
Habría que haber vivido lo que en ella para entender por qué en esa época la humilde y sencilla Señora Drake hizo lo que hizo aún sabiendo que cometía actos penados por la Ley.
Entenderíamos seguramente porqué sacrificó la reputación de su familia, de sus hijos y de su amado esposo.
Una sonrisa de ella te diría que jamás escondería un secreto. Pero de alguna manera nos engañó y detrás de ese carácter estoico y devoto a servir, se ocultaba algo que destruyó en cierta forma a su familia...
Sentimientos encontrados fluyen a través de esta cinta que tuvimos ocasión de ver hace una semana.
Los secretos de Vera Drake se centran en los años cincuenta, post guerra (en Europa) –como se aprecia en el salón de baile al escucharse algo de las grandes bandas al estilo Benny Goodman ó Glen Miller- en el entorno de una familia trabajadora en la que la señora Vera se mantiene activa desde antes que el gallo canté llevando asistencia a enfermos, como servidumbre de familias acomodadas y finalmente visitando a su madre...eso sin contar con las horas invertidas a su esposo, hijo e hija...en hacer ese Te que resulta para la métrica de la película una droga parecida al valium...
Personajes diferente entre sí, hasta surrealistas si el lector me permite. Difíciles de entender para los seres que hoy habitamos ciudades que son todo movimiento, tensión, dinamismo. La hija llega a desesperar a grados imposibles de plasmar en esta hoja.
La película por si misma resulta por momentos lenta, al clásico estilo Europeo, en la que las pausas y la repetición pueden llegar a cansar. Por ello Imelda Staunton no ganó el Oscar, seguramente lo poco comercial de la cinta la alejó de la estatuilla.
No obstante para los amantes del buen cine el tema resulta muy interesante e intenso, inclusive las actuaciones se precian de llevarnos de forma convincente a ese hall en plena Navidad de una familia a la que la sorpresa está muy cerca de cambiarla para siempre...esto es, a la realidad cotidiana de los añejos 50’s.
Entenderíamos seguramente porqué sacrificó la reputación de su familia, de sus hijos y de su amado esposo.
Una sonrisa de ella te diría que jamás escondería un secreto. Pero de alguna manera nos engañó y detrás de ese carácter estoico y devoto a servir, se ocultaba algo que destruyó en cierta forma a su familia...
Sentimientos encontrados fluyen a través de esta cinta que tuvimos ocasión de ver hace una semana.
Los secretos de Vera Drake se centran en los años cincuenta, post guerra (en Europa) –como se aprecia en el salón de baile al escucharse algo de las grandes bandas al estilo Benny Goodman ó Glen Miller- en el entorno de una familia trabajadora en la que la señora Vera se mantiene activa desde antes que el gallo canté llevando asistencia a enfermos, como servidumbre de familias acomodadas y finalmente visitando a su madre...eso sin contar con las horas invertidas a su esposo, hijo e hija...en hacer ese Te que resulta para la métrica de la película una droga parecida al valium...
Personajes diferente entre sí, hasta surrealistas si el lector me permite. Difíciles de entender para los seres que hoy habitamos ciudades que son todo movimiento, tensión, dinamismo. La hija llega a desesperar a grados imposibles de plasmar en esta hoja.
La película por si misma resulta por momentos lenta, al clásico estilo Europeo, en la que las pausas y la repetición pueden llegar a cansar. Por ello Imelda Staunton no ganó el Oscar, seguramente lo poco comercial de la cinta la alejó de la estatuilla.
No obstante para los amantes del buen cine el tema resulta muy interesante e intenso, inclusive las actuaciones se precian de llevarnos de forma convincente a ese hall en plena Navidad de una familia a la que la sorpresa está muy cerca de cambiarla para siempre...esto es, a la realidad cotidiana de los añejos 50’s.
sábado, 30 de abril de 2005
ASIA, LA PRIMERA VEZ
And now you find yourself in '82….
En 1969 Eric Clapton, Ginger Baker y Steve Winwood formaron el primer súpergrupo del rock. Su nombre: Blind Faith.
13 años después se formaría un supergrupo de las mismas e incluso mayores pretensiones...su nombre Asia.
A lo largo de la historia del rock and roll ha existido un número importante de supergurpos, en diversas corrientes, pero al fin agrupaciones que han logrado alcanzar la gloria y la fama. Muchos de ellos alcanzaron el éxito de inmediato, otros tuvieron que esperar algunos meses e incluso años para afianzarse en el circuito de sus respectivos países de origen.
Por ello no es raro observar que las primeras grabaciones de muchos de ellos no eran capaces de vender más de una miles de copias y eso que ya por lo menos tenían la posibilidad de grabar uno. Por ende, algunos de nosotros descubrimos a los grupos vía –lógico- la última grabación ó el mayor éxito comercial, para posteriormente adentrarnos en la historia –de atrás para adelante- de la banda elegida.
Sin embargo son contados en una mano los grupos que antes de nacer ya eran llamados supergrupos. Blind Faith fue un caso y Asia fue el otro.
La razón es que en su momento histórico cada una de ellas fue conformada por músicos que habían alcanzado la consagración en sus respectivas agrupaciones y además por calidad individual eran reconocidos dentro de la élite de músicos virtuosos y exquisitos del rock mundial.
Cada uno de ellos había disfrutado de las mieles del reconocimiento aunque como en alguna entrevista lo comentó Jon Anderson del grupo Yes “no éramos de las bandas que vendían millones de copias ó editábamos sencillos como lo hacían Journey o Foreigner”...quizá no del éxito comercial masivo.
Los orígenes
La formación de Asia nos remite inevitablemente a la corriente llamada Rock progresivo de mediados de la década de los setenta con base en la Gran Bretaña y de cuyas semillas surgieron los músicos más distinguidos de la época.
De acuerdo a una vieja revista española que definía perfectamente los orígenes del progresivo, desde el nacimiento del sintetizador obra de Robert Moog y hasta los entonces experimentales sonidos de Brian Eno, la corriente se apalancó en tres maravillosas agrupaciones.
El primer capítulo es dedicado a Genesis y sus primeras cuatro grabaciones con Peter Gabriel. Las puestas escénicas que abrieron las posibilidades de los conciertos en directo a cargo de esta importante banda. Menciona la salida de Peter Gabriel y la transferencia a las vocales del hasta entonces baterista Phil Collins.
El segundo capítulo se refiere a Yes, la banda inglesa que debutó en el afamado Royal Alberthall de Londres en la despedida de Cream. El capítulo versa en torno a sus constantes cambios de personal hasta llegar a la formación de 1974 y su grabación del l.p. Relayer.
El tercer capítulo va encaminado a la revisión del trío Emerson, Lake and Palmer, los referentes personales de cada uno de sus integrantes y la capacidad que tenían para adaptar obras de música clásica bajo un estilo denominado Rock Sinfónico.
En los capítulos finales se menciona a King Crimson de la mano de Robert Frip y por alguna razón no mencionan a Pink Floyd.
De cualquier forma el documento nos da un buen panorama de lo que fue la corriente fina del rock a lo largo de la década de los 70’s, el Rock progresivo. Ya sea asociada al jazz –en el caso de Yes- ó a la música clásica –E,L&P- , pero de alguna manera siempre ubicada un paso adelante en cuanto a calidad y expresión.
A lo largo de los 70’s la corriente pudo sortear fenómenos antagónicos como el Punk ó la música Disco, pero al arribar los 80’s estas bandas se encontrarían frente a verdaderos dilemas; algunas decidieron por la desintegración y otras por el cambio de estilo, algo que para muchos hirió de muerte a la corriente.
Los 80’s
Estamos en el umbral de una nueva década.
Las corrientes New Romantic y el Heavy Metal están preparadas para dominar los próximos diez años...
Lo pioneros tendrán que adaptarse a los nuevos tiempos ó tendrán que retirarse del negocio.
En estos momentos Queen es quizá la banda más grande de la tierra, U2 está iniciando un camino exitoso y una canción refleja lo que será el futuro próximo de la música. Video Kill the Radio Star, de los hasta entonces desconocidísimos Buggles.
Para el Rock progresivo no hay buenas noticias.
Yes perdía para 1980 a dos elementos fundamentales (Jon Anderson y Rick Wakeman) y los sustituiría para sorpresa de muchos por el par de The Buggles (Trevor Horn y Geoff Downes). Genesis iniciaba su transición hacia el pop con el L.P. Duke, y la influencia de Mr. Collins. E,L&P estaba desintegrado desde hace un año (79) y King Crimson trataba de sacar la cara con un álbum de nombre Beat, más electrónico que progresivo. El Floyd desde luego comercializando a más no poder The Wall.
Para 1981 Yes no resistiría más y tras la grabación del album Drama y un último sencillo de nombre Run through the Light – de enorme significado para el autor- , en 1981, otro dinosaurio progresivo entregaría su último aliento.
Definitivamente los 80’s parecían no traer buen augurio para la corriente progresiva, no así para algunos de sus integrantes.
De las cenizas de Yes y E,L&P....surge Asia.
El panorama no era el mejor pero siempre hay un tío que sabe sacar provecho ante situaciones adversas...ese tío se llamaba Brian Lane, quien a lo largo de los últimos años había sido manager de Yes y se mantendría como manager de Steve Howe. –conocido guitarrista de Yes para algunos de ustedes-
Brian Lane de acuerdo a las biografías oficiales que he podido leer fue quien le propuso a Steve Howe formar un nuevo grupo. Poco a poco las piezas irían juntándose.
En principio Steve Howe insistió en que el tecladista Geoffrey Downes se mantuviera a su lado, ya que la química entre ellos había dado por resultado grandes momentos en la grabación de Drama.
John Wetton quien recientemente había estado tocando en un grupo llamado UK junto a Eddie Jobson y Terry Bozzioy y previamente con Roxy Music así como con en el grandioso King Crimson a mediado de los 70’s fue contactado, por Brian Lane y de inmediato consideró esta posibilidad. John Wetton era una de las voces más finas del Rock Inglés y un excelente bajista.
Para la posición de batería, Brian Lane había originalmente pensado en Simon Phillipps, pero afortunadamente para los fans consideró a Carl Palmer quien estaba buscando grupo tras la desintegración de Emerson, Lake & Palmer.
¡ De tal forma, para iniciar 1982, Asia estaba preparado para dominar al mundo ¡
En 1969 Eric Clapton, Ginger Baker y Steve Winwood formaron el primer súpergrupo del rock. Su nombre: Blind Faith.
13 años después se formaría un supergrupo de las mismas e incluso mayores pretensiones...su nombre Asia.
A lo largo de la historia del rock and roll ha existido un número importante de supergurpos, en diversas corrientes, pero al fin agrupaciones que han logrado alcanzar la gloria y la fama. Muchos de ellos alcanzaron el éxito de inmediato, otros tuvieron que esperar algunos meses e incluso años para afianzarse en el circuito de sus respectivos países de origen.
Por ello no es raro observar que las primeras grabaciones de muchos de ellos no eran capaces de vender más de una miles de copias y eso que ya por lo menos tenían la posibilidad de grabar uno. Por ende, algunos de nosotros descubrimos a los grupos vía –lógico- la última grabación ó el mayor éxito comercial, para posteriormente adentrarnos en la historia –de atrás para adelante- de la banda elegida.
Sin embargo son contados en una mano los grupos que antes de nacer ya eran llamados supergrupos. Blind Faith fue un caso y Asia fue el otro.
La razón es que en su momento histórico cada una de ellas fue conformada por músicos que habían alcanzado la consagración en sus respectivas agrupaciones y además por calidad individual eran reconocidos dentro de la élite de músicos virtuosos y exquisitos del rock mundial.
Cada uno de ellos había disfrutado de las mieles del reconocimiento aunque como en alguna entrevista lo comentó Jon Anderson del grupo Yes “no éramos de las bandas que vendían millones de copias ó editábamos sencillos como lo hacían Journey o Foreigner”...quizá no del éxito comercial masivo.
Los orígenes
La formación de Asia nos remite inevitablemente a la corriente llamada Rock progresivo de mediados de la década de los setenta con base en la Gran Bretaña y de cuyas semillas surgieron los músicos más distinguidos de la época.
De acuerdo a una vieja revista española que definía perfectamente los orígenes del progresivo, desde el nacimiento del sintetizador obra de Robert Moog y hasta los entonces experimentales sonidos de Brian Eno, la corriente se apalancó en tres maravillosas agrupaciones.
El primer capítulo es dedicado a Genesis y sus primeras cuatro grabaciones con Peter Gabriel. Las puestas escénicas que abrieron las posibilidades de los conciertos en directo a cargo de esta importante banda. Menciona la salida de Peter Gabriel y la transferencia a las vocales del hasta entonces baterista Phil Collins.
El segundo capítulo se refiere a Yes, la banda inglesa que debutó en el afamado Royal Alberthall de Londres en la despedida de Cream. El capítulo versa en torno a sus constantes cambios de personal hasta llegar a la formación de 1974 y su grabación del l.p. Relayer.
El tercer capítulo va encaminado a la revisión del trío Emerson, Lake and Palmer, los referentes personales de cada uno de sus integrantes y la capacidad que tenían para adaptar obras de música clásica bajo un estilo denominado Rock Sinfónico.
En los capítulos finales se menciona a King Crimson de la mano de Robert Frip y por alguna razón no mencionan a Pink Floyd.
De cualquier forma el documento nos da un buen panorama de lo que fue la corriente fina del rock a lo largo de la década de los 70’s, el Rock progresivo. Ya sea asociada al jazz –en el caso de Yes- ó a la música clásica –E,L&P- , pero de alguna manera siempre ubicada un paso adelante en cuanto a calidad y expresión.
A lo largo de los 70’s la corriente pudo sortear fenómenos antagónicos como el Punk ó la música Disco, pero al arribar los 80’s estas bandas se encontrarían frente a verdaderos dilemas; algunas decidieron por la desintegración y otras por el cambio de estilo, algo que para muchos hirió de muerte a la corriente.
Los 80’s
Estamos en el umbral de una nueva década.
Las corrientes New Romantic y el Heavy Metal están preparadas para dominar los próximos diez años...
Lo pioneros tendrán que adaptarse a los nuevos tiempos ó tendrán que retirarse del negocio.
En estos momentos Queen es quizá la banda más grande de la tierra, U2 está iniciando un camino exitoso y una canción refleja lo que será el futuro próximo de la música. Video Kill the Radio Star, de los hasta entonces desconocidísimos Buggles.
Para el Rock progresivo no hay buenas noticias.
Yes perdía para 1980 a dos elementos fundamentales (Jon Anderson y Rick Wakeman) y los sustituiría para sorpresa de muchos por el par de The Buggles (Trevor Horn y Geoff Downes). Genesis iniciaba su transición hacia el pop con el L.P. Duke, y la influencia de Mr. Collins. E,L&P estaba desintegrado desde hace un año (79) y King Crimson trataba de sacar la cara con un álbum de nombre Beat, más electrónico que progresivo. El Floyd desde luego comercializando a más no poder The Wall.
Para 1981 Yes no resistiría más y tras la grabación del album Drama y un último sencillo de nombre Run through the Light – de enorme significado para el autor- , en 1981, otro dinosaurio progresivo entregaría su último aliento.
Definitivamente los 80’s parecían no traer buen augurio para la corriente progresiva, no así para algunos de sus integrantes.
De las cenizas de Yes y E,L&P....surge Asia.
El panorama no era el mejor pero siempre hay un tío que sabe sacar provecho ante situaciones adversas...ese tío se llamaba Brian Lane, quien a lo largo de los últimos años había sido manager de Yes y se mantendría como manager de Steve Howe. –conocido guitarrista de Yes para algunos de ustedes-
Brian Lane de acuerdo a las biografías oficiales que he podido leer fue quien le propuso a Steve Howe formar un nuevo grupo. Poco a poco las piezas irían juntándose.
En principio Steve Howe insistió en que el tecladista Geoffrey Downes se mantuviera a su lado, ya que la química entre ellos había dado por resultado grandes momentos en la grabación de Drama.
John Wetton quien recientemente había estado tocando en un grupo llamado UK junto a Eddie Jobson y Terry Bozzioy y previamente con Roxy Music así como con en el grandioso King Crimson a mediado de los 70’s fue contactado, por Brian Lane y de inmediato consideró esta posibilidad. John Wetton era una de las voces más finas del Rock Inglés y un excelente bajista.
Para la posición de batería, Brian Lane había originalmente pensado en Simon Phillipps, pero afortunadamente para los fans consideró a Carl Palmer quien estaba buscando grupo tras la desintegración de Emerson, Lake & Palmer.
¡ De tal forma, para iniciar 1982, Asia estaba preparado para dominar al mundo ¡
jueves, 21 de abril de 2005
THE FINAL CUT / 21.04.05
A.Castillo: 37 years: 13505 days: 324120 hours
Que sucedería si al momento de nuestra muerte todo hubiera quedado grabado en el cerebro?
Qué momentos creemos elegirían nuestros descendientes para mostrar una remembranza de nuestra vida y obra?
Cuáles serían los que se retirarían de la exhibición final? Cuáles se mostrarían???
La película –mal titulada- Más allá de la Muerte- es ante todo una oportunidad para reflexionar respecto a estos temas...y va más allá.
Que tal si no tuviéramos que esperar a nuestra muerte para poder echar un vistazo a esos momentos que de alguna manera nos marcaron, aquellos que se han convertido en el eje de nuestra vida –para bien ó para mal-. Quizá nos sorprenderíamos al darnos cuenta que las cosas no fueron como siempre lo supusimos...”Que ella no se fue por culpa nuestra, que el consejo de nuestros padres fue el adecuado ó que nunca lo debimos haber hseguido...
Una serie de intrínsecos pensamientos correrán en sus mentes al momento de sentarse frente a la vida de Alan, una vida quizá no tan alejada a la de muchos de nosotros.
Ciencia ficción de buenas hechuras, con más de ciencia que de ficción...
Que sucedería si al momento de nuestra muerte todo hubiera quedado grabado en el cerebro?
Qué momentos creemos elegirían nuestros descendientes para mostrar una remembranza de nuestra vida y obra?
Cuáles serían los que se retirarían de la exhibición final? Cuáles se mostrarían???
La película –mal titulada- Más allá de la Muerte- es ante todo una oportunidad para reflexionar respecto a estos temas...y va más allá.
Que tal si no tuviéramos que esperar a nuestra muerte para poder echar un vistazo a esos momentos que de alguna manera nos marcaron, aquellos que se han convertido en el eje de nuestra vida –para bien ó para mal-. Quizá nos sorprenderíamos al darnos cuenta que las cosas no fueron como siempre lo supusimos...”Que ella no se fue por culpa nuestra, que el consejo de nuestros padres fue el adecuado ó que nunca lo debimos haber hseguido...
Una serie de intrínsecos pensamientos correrán en sus mentes al momento de sentarse frente a la vida de Alan, una vida quizá no tan alejada a la de muchos de nosotros.
Ciencia ficción de buenas hechuras, con más de ciencia que de ficción...
miércoles, 20 de abril de 2005
EL MILAGRO BERN (WUSEN DUS VON BERN) / 20.04.05
Ayer viaje nuevamente en el tiempo....
De pronto estaba en el hotel de concentración del equipo Alemán que conquistó el campeonato del mundo de 1954; junto al portero Turek, el capitán Fritz Walter, y Helmut Rahn, ídolo de un pequeño niño alemán de escasos 12 años que lo acompañaba frecuentemente a los entrenamientos.
La historia eje se centra en efecto en los momentos importantes de la selección Germana que obtuvo su primer título Mundial en la ciudad de Berna Suiza en el mencionado año. No obstante se entrelazan un par de pequeñas historias comunes, la de la familia del niño y la de un periodista que de último momento es elegido para cubrir el evento mundialista.
La película logra equilibrar las emociones que van desde los triunfos a las derrotas y de los sentimientos familiares y de pareja de los protagonistas, con suavidad sin llevar a los extremos las situaciones tensas que aparecen a lo largo del film, como cuando el padre de familia castiga al menor y no lo deja terminar de ver el juego.
La recreación de la época es simple y sencillamente maravillosa.
Desde los uniformes de los equipos , los campos de entrenamiento, el viaje en autobús a Munich... sin duda un trabajo excepcional en vestuario y escenarios.
Hay una escena en particular –ya en pleno juego final contra Hungría- en la que se observa un anuncio de Cinzano en un edificio contiguo al pequeño estadio suizo que realmente te llega a transportar al momento...bárbaro!!!!
Una película que no sólo disfrutarán los amantes del fut romántico, sino que les hará pasar un agradable momento a quienes gustan de un cine tranquilo sin mayores pretensiones que la de invertir su dinero en una película entretenida.
Para los que viven y aman el futbol...claro, una cinta de indiscutible valor plástico e histórico.
De pronto estaba en el hotel de concentración del equipo Alemán que conquistó el campeonato del mundo de 1954; junto al portero Turek, el capitán Fritz Walter, y Helmut Rahn, ídolo de un pequeño niño alemán de escasos 12 años que lo acompañaba frecuentemente a los entrenamientos.
La historia eje se centra en efecto en los momentos importantes de la selección Germana que obtuvo su primer título Mundial en la ciudad de Berna Suiza en el mencionado año. No obstante se entrelazan un par de pequeñas historias comunes, la de la familia del niño y la de un periodista que de último momento es elegido para cubrir el evento mundialista.
La película logra equilibrar las emociones que van desde los triunfos a las derrotas y de los sentimientos familiares y de pareja de los protagonistas, con suavidad sin llevar a los extremos las situaciones tensas que aparecen a lo largo del film, como cuando el padre de familia castiga al menor y no lo deja terminar de ver el juego.
La recreación de la época es simple y sencillamente maravillosa.
Desde los uniformes de los equipos , los campos de entrenamiento, el viaje en autobús a Munich... sin duda un trabajo excepcional en vestuario y escenarios.
Hay una escena en particular –ya en pleno juego final contra Hungría- en la que se observa un anuncio de Cinzano en un edificio contiguo al pequeño estadio suizo que realmente te llega a transportar al momento...bárbaro!!!!
Una película que no sólo disfrutarán los amantes del fut romántico, sino que les hará pasar un agradable momento a quienes gustan de un cine tranquilo sin mayores pretensiones que la de invertir su dinero en una película entretenida.
Para los que viven y aman el futbol...claro, una cinta de indiscutible valor plástico e histórico.
miércoles, 6 de abril de 2005
KINSEY / 06.04.05
Siempre he sido un admirador de las películas que recrean tiempos idos, me llaman la atención. Y si a esto le agregamos la recreación de toda una época en cuanto a pensamientos, ideales y costumbres , pues resulta ser una buena opción para experimentar.
El tabú del sexo en los años 30’s es tomado en serio –quizá demasiado- por le zoólogo americano Kinsley , llamado por sus alumnos en Indiana Prok.
El famoso taxónomo de la avispa de las agallas se dio cuenta basado en sus experiencias personales que las lecciones sobre el sexo realmente dejaban mucho que desear, eran verdaderamente absurdas y se enfrascó en una carrera sin final respecto al comportamiento sexual del humano.
En base a métodos y usos nunca antes vistos, Alfred C. Kinsey demostró ser un pionero de este tipo de estudios; además sus dos obras publicadas
Comportamiento sexual en el hombre (1948) y Comportamiento sexual en la mujer (1953), llegaron a convertirse en obras de culto entre sus seguidores y desde luego bestsellers del momento.
Como podrá imaginar el amable lector Kinsey tarde o temprano se tuvo que enfrentar a una rígida sociedad que pasado el interés comenzó a cuestionar abiertamente términos “altamente peligrosos”para las nuevas generaciones como homosexualidad, lesbianismo, relaciones extramaritales etc.
La sociedad no estaba aún preparada...lo está ahora? debe de estarlo?
Kinsey, Alfred Charles (1894-1956)
El tabú del sexo en los años 30’s es tomado en serio –quizá demasiado- por le zoólogo americano Kinsley , llamado por sus alumnos en Indiana Prok.
El famoso taxónomo de la avispa de las agallas se dio cuenta basado en sus experiencias personales que las lecciones sobre el sexo realmente dejaban mucho que desear, eran verdaderamente absurdas y se enfrascó en una carrera sin final respecto al comportamiento sexual del humano.
En base a métodos y usos nunca antes vistos, Alfred C. Kinsey demostró ser un pionero de este tipo de estudios; además sus dos obras publicadas
Comportamiento sexual en el hombre (1948) y Comportamiento sexual en la mujer (1953), llegaron a convertirse en obras de culto entre sus seguidores y desde luego bestsellers del momento.
Como podrá imaginar el amable lector Kinsey tarde o temprano se tuvo que enfrentar a una rígida sociedad que pasado el interés comenzó a cuestionar abiertamente términos “altamente peligrosos”para las nuevas generaciones como homosexualidad, lesbianismo, relaciones extramaritales etc.
La sociedad no estaba aún preparada...lo está ahora? debe de estarlo?
Kinsey, Alfred Charles (1894-1956)
martes, 5 de abril de 2005
ENTRE COPAS / 05.04.05
Creo que el director Alexander Payne es un director-alquimista, que ha encontrado un raro balance entre éxito comercial y credibilidad como artista.
Sin embargo, el conseguir el favor de la crítica y una moderada aceptación por parte del público, no necesariamente significa que sus películas sean muy buenas.
"Election" y "About Schmidt" me parecieron sagaces melodramas que combinaban comedia y tragedia de un modo muy inusual, pero entretenido. Y a pesar de no ser muy accesibles ni como comedias ni como dramas, la experiencia total era suficientemente satisfactoria como para pasar un buen rato con su narrativa, simultáneamente frívola y profunda.
"Entre Copas" es, para bien o para mal, más de lo mismo. El problema es que la fórmula de Payne parece repetirse y ya no es tan fresca o tan satisfactoria.
Tal vez no se repite en los detalles (como argumento o personajes), pero "Entre Copas" definitivamente evoca los mismos temas de depresión, desencanto con la vida, "ennui", y un toque de patética comedia, que nos permite reírnos de los personajes, pero no burlarnos de ellos.
La diferencia es sutil, pero significativa.
"Entre Copas" se centra en Miles (Paul Giamatti) y Jack (Thomas Haden Church), cuarentones amigos desde la universidad. Jack está por casarse, y decide disfrutar sus últimos días como soltero emprendiendo un viaje por las regiones vinícolas de California en compañía de Miles, un gran aficionado al vino que le servirá como guía y compañía. Y como Miles está aún recuperándose de un amargo divorcio, Jack decide que ayudará a su amigo a encontrar romance, o al menos sexo, durante el viaje. Por eso, cuando encuentran a las guapas meseras Maya (Virginia Madsen) y Stephanie (Sandra Oh), parece que el viaje será exitoso... pero entre la depresión de Miles y la falta de sentido común de Jack, surgirán muchas dificultades durante el viaje.
A primera vista puede parecer que "Entre Copas" no tiene realmente una trama definida... y eso es en parte cierto. Durante dos horas vemos las peripecias de Miles y Jack, haciendo el ridículo, consumiendo demasiado vino y peleándose por trivialidades. No es sino hasta la segunda mitad de la cinta cuando el argumento parece enfocarse en Miles y su tímido romance con Maya. Se antoja posible que las inseguridades y depresión de Miles lo han convertido en un alcohólico que disfraza muy bien su enfermedad con un genuino entusiasmo por el vino. Más aún, las enológicamente verosímiles descripciones que Miles hace del vino parecen ajustarse a su propia personalidad y la de Maya, como puede verse en una magnífica escena, donde ambos tratan torpemente de iniciar una relación amorosa, pero terminan hablando de las virtudes de varios licores. Ese y otros breves momentos de la película son excelentes muestras de la sensibilidad del director, creando emociones sin ser sentimental, y profundizando en sus personajes de manera natural y orgánica.
Pero escenas como esas son escasas; la mayor parte del tiempo el guión anda sin rumbo, pasando de burda comedia (como en la ridícula serie de eventos que desencadena una cartera perdida) a patético drama que parece regodearse con la ineptitud social de los personajes. En pequeñas dosis eso puede ser interesante, pero a lo largo de dos horas la trama pierde impulso... y el interés de la audiencia.
Por el lado positivo tenemos las brillantes actuaciones de un elenco conformado por muy buenos, aunque poco conocidos actores. Paul Giamatti merecía en el 2003 toda clase de reconocimientos por "American Splendor", y me alegra que ahora los reciba, aunque sea tardíamente y por una película no tan buena. Thomas Haden Church estuvo encasillado en huecas comedias televisivas ("Ned & Stacy", "Wings") durante muchos años, y es bueno verlo en la pantalla grande, quizás representando el mismo papel de siempre, pero haciéndolo muy bien. Sandra Oh (esposa del director) había estado relegada a minúsculos papeles de "mejor amiga" durante toda su carrera, pero en "Entre Copas" se revela como una diestra actriz con gran presencia. Y finalmente Virginia Madsen regresa con una fantástica actuación, justo cuando su carrera parecía declinar, luego de participar (con muy buenos resultados) en cintas tan diversas como "The Hot Spot" y "Candyman".
Las buenas actuaciones y el melancólico tono de la película bastan para recomendar "Entre Copas", pero con la advertencia de que su pausado ritmo y su serpenteante guión requerirán una dosis extra de paciencia y comprensión. No creo que esta sea la mejor película de Alexander Payne (creo que sigue siendo "Election"), pero es un buen esfuerzo, inexplicablemente aclamado por encima de mejores películas de tema similar que en su momento fueron ignoradas, como “Welcome to the Dollhouse” y “Ghost World”. En fin, supongo que así es Hollywood.
Sin embargo, el conseguir el favor de la crítica y una moderada aceptación por parte del público, no necesariamente significa que sus películas sean muy buenas.
"Election" y "About Schmidt" me parecieron sagaces melodramas que combinaban comedia y tragedia de un modo muy inusual, pero entretenido. Y a pesar de no ser muy accesibles ni como comedias ni como dramas, la experiencia total era suficientemente satisfactoria como para pasar un buen rato con su narrativa, simultáneamente frívola y profunda.
"Entre Copas" es, para bien o para mal, más de lo mismo. El problema es que la fórmula de Payne parece repetirse y ya no es tan fresca o tan satisfactoria.
Tal vez no se repite en los detalles (como argumento o personajes), pero "Entre Copas" definitivamente evoca los mismos temas de depresión, desencanto con la vida, "ennui", y un toque de patética comedia, que nos permite reírnos de los personajes, pero no burlarnos de ellos.
La diferencia es sutil, pero significativa.
"Entre Copas" se centra en Miles (Paul Giamatti) y Jack (Thomas Haden Church), cuarentones amigos desde la universidad. Jack está por casarse, y decide disfrutar sus últimos días como soltero emprendiendo un viaje por las regiones vinícolas de California en compañía de Miles, un gran aficionado al vino que le servirá como guía y compañía. Y como Miles está aún recuperándose de un amargo divorcio, Jack decide que ayudará a su amigo a encontrar romance, o al menos sexo, durante el viaje. Por eso, cuando encuentran a las guapas meseras Maya (Virginia Madsen) y Stephanie (Sandra Oh), parece que el viaje será exitoso... pero entre la depresión de Miles y la falta de sentido común de Jack, surgirán muchas dificultades durante el viaje.
A primera vista puede parecer que "Entre Copas" no tiene realmente una trama definida... y eso es en parte cierto. Durante dos horas vemos las peripecias de Miles y Jack, haciendo el ridículo, consumiendo demasiado vino y peleándose por trivialidades. No es sino hasta la segunda mitad de la cinta cuando el argumento parece enfocarse en Miles y su tímido romance con Maya. Se antoja posible que las inseguridades y depresión de Miles lo han convertido en un alcohólico que disfraza muy bien su enfermedad con un genuino entusiasmo por el vino. Más aún, las enológicamente verosímiles descripciones que Miles hace del vino parecen ajustarse a su propia personalidad y la de Maya, como puede verse en una magnífica escena, donde ambos tratan torpemente de iniciar una relación amorosa, pero terminan hablando de las virtudes de varios licores. Ese y otros breves momentos de la película son excelentes muestras de la sensibilidad del director, creando emociones sin ser sentimental, y profundizando en sus personajes de manera natural y orgánica.
Pero escenas como esas son escasas; la mayor parte del tiempo el guión anda sin rumbo, pasando de burda comedia (como en la ridícula serie de eventos que desencadena una cartera perdida) a patético drama que parece regodearse con la ineptitud social de los personajes. En pequeñas dosis eso puede ser interesante, pero a lo largo de dos horas la trama pierde impulso... y el interés de la audiencia.
Por el lado positivo tenemos las brillantes actuaciones de un elenco conformado por muy buenos, aunque poco conocidos actores. Paul Giamatti merecía en el 2003 toda clase de reconocimientos por "American Splendor", y me alegra que ahora los reciba, aunque sea tardíamente y por una película no tan buena. Thomas Haden Church estuvo encasillado en huecas comedias televisivas ("Ned & Stacy", "Wings") durante muchos años, y es bueno verlo en la pantalla grande, quizás representando el mismo papel de siempre, pero haciéndolo muy bien. Sandra Oh (esposa del director) había estado relegada a minúsculos papeles de "mejor amiga" durante toda su carrera, pero en "Entre Copas" se revela como una diestra actriz con gran presencia. Y finalmente Virginia Madsen regresa con una fantástica actuación, justo cuando su carrera parecía declinar, luego de participar (con muy buenos resultados) en cintas tan diversas como "The Hot Spot" y "Candyman".
Las buenas actuaciones y el melancólico tono de la película bastan para recomendar "Entre Copas", pero con la advertencia de que su pausado ritmo y su serpenteante guión requerirán una dosis extra de paciencia y comprensión. No creo que esta sea la mejor película de Alexander Payne (creo que sigue siendo "Election"), pero es un buen esfuerzo, inexplicablemente aclamado por encima de mejores películas de tema similar que en su momento fueron ignoradas, como “Welcome to the Dollhouse” y “Ghost World”. En fin, supongo que así es Hollywood.
jueves, 17 de marzo de 2005
SAW I/ 17.03.05
James Wan director del thriller Juego Macabro- estrámbótica definición para SAW, su título original-, seguramente era fan de películas tan recordadas como el Silencio de los Inocentes, Tesis, Seven u Ocho Milímetros... quizá Copy Cat....
Por lo anterior ya sabrá el amable lector a que atenerse cuando las luces se apaguen en la sala cinematográfica...situaciones límite al estilo de una buena película de hace un par de años que se llamó el Experimento.
Porque más allá de las escenas repugnantes, la sangre que escurre ó la ansiedad que produce la incertidumbre, la cinta contiene elementos psicológicos muy rescatables; definitivamente una película que mantendrá su interés, algo que hoy día debemos valorar de entre tanta producción que nos llega....
Saludos
p.d. No apta para asquerosos, y por favor no vayan a la hora de la comida....
Por lo anterior ya sabrá el amable lector a que atenerse cuando las luces se apaguen en la sala cinematográfica...situaciones límite al estilo de una buena película de hace un par de años que se llamó el Experimento.
Porque más allá de las escenas repugnantes, la sangre que escurre ó la ansiedad que produce la incertidumbre, la cinta contiene elementos psicológicos muy rescatables; definitivamente una película que mantendrá su interés, algo que hoy día debemos valorar de entre tanta producción que nos llega....
Saludos
p.d. No apta para asquerosos, y por favor no vayan a la hora de la comida....
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